Франция. Художники

Лувр. Мечта и песня, всех любителей живописи и искусства. Здесь собрана богатейшая, коллекция самых знаменитых художников. Пожалуй это воскрешение древнего Храма Артемиды, чудо света, собравшее в себя все великолепие наследия человеческой цивилизации. Да и не только... Глядя на статуи цветного мрамора первого зала Лувра, "мраморной вуали" скульптур - невольно проникаешься к мысли о космических технологиях шедевров. Если попытаться осмотреть и осмыслить хотя бы внешний фасад зданий Лувра, то невольно приходишь в восторг и .. тупик. На фресках наличниках изображены сюжеты, прочитать которые сможем ли?! Сможем ли мы понять тайные знаки скульптур и их атрибутику - тайный код послания потомкам?! Из тысячи скульптур Лувра только одна смогла и  стала символом мощного государства "Америка", тогда чей символ Лувр вмещающий "тысячи  Америк"?!Расскажут ли нам об этом пещерные наскальные фрески  области Дордонь и Пиреней?!

И конечно же, шедевр мирового звучания - "Мона Лиза" - "Джоконда" Леонардо да Винчи, словно завещание потомков в ее непостижимой красоте гармонии и уникальной технике запредельного видения и мастерства...
И действительно, художники Франции не многим отличались от итальянский, проходя там обучение, чей гений и талант считается непревзойденным...
Но отчего же, имея все атрибуты искусства красоты и совершенства именно во Франции возникло его упадническое примитивное направление от импрессионизма до прочих измов?!
Да, мы можем это объяснить природными аномалиями - на территории страны с большим содержанием урана, как экстро энергетика, разрушительного свойства, когда ее не направлять в нужное русло, рассчитана именно на умную долговременную энергетическую программу обеспечения государства, но не на разрушение системы культуры и цивилизации. А по сути именно это и произошло. Первая революция с Марсельезой случилась во Франции, но смогла ли обуздать народный импульс направленный на индустриализацию?! Нет, она отломила, выдрала из культуры искусства и образования верхний слой многовекового труда и совершенства явив Нищебродов, недоучек и алкоголиков. Среда художников резко понизила свой потенциал и вместо картин стала являть миру этюды, наброски, рисунки, не завершенные работы. Которым тут же придумали оправдание и обозвали инновацией вместо недоделок и недотоп. А ведь художественность это огромный талант, труд и вдохновение. Но взамен мы получили откровение и психоз наркоманов. Печально.
Но Россия не лучше. Необразованный купец Щукин купил танец пляшущих человечков, заблокированных французской академией и в России появились яшагалы и Малевичи вместо Да Винчи и Рафаэля. Обидно.
Роль Франции в изобразительном искусстве двояко - раннее средневековье - взлёт эпохи Возрождения, лучшие мастера Италии и Европы и ... затем движение нигилистов, бомжей и мусорщиков. Неужели современное искусство в связи с фотографией и компьютерам исчерпало себя и довольствуется линиями из икон и других святынь духа и веры человека?!

Жан Бати;ст Симеон Шарден (фр. Jean Baptiste Sim;on Chardin; 2 ноября 1699, Париж, Королевство Франция — 6 декабря 1779, там же) — французский живописец и рисовальщик (в том числе пастелист), один из ключевых европейских художников эпохи Просвещения, известный своими работами в области натюрморта и бытового жанра.
В своём творчестве художник сознательно избегал торжественных и пасторально-мифологических сюжетов, свойственных академическому искусству его времени. Основным предметом его натюрмортов и жанровых сцен простолюдин.
Шарден, чья деятельность как художника ознаменовала собой расцвет реализма в XVIII века, продолжил традиции голландских и фламандских мастеров натюрморта и бытового жанра XVII века, обогатив эту традицию и внеся в своё творчество оттенок изящества и естественности произведениях разных лет и разных жанров, в которых проявил присущую ему эмоциональную тонкость, но также способность к психологическому анализу.
Многое для распространения славы Шардена сделали энциклопедисты, которые противопоставляли его «буржуазное» искусство «оторвавшимся от народа» придворным художникам — мастерам эротических и пасторальных виньеток в духе рококо. Дидро сравнивал его мастерство с колдовством: «О, Шарден, это не белая, красная и чёрная краски, которые ты растираешь на своей палитре, но сама сущность предметов; ты берешь воздух и свет на кончик своей кисти и накладываешь их на холст!»Картина «Натюрморт с атрибутами искусств» (1766 г., Государственный Эрмитаж) выполнена по заказу Екатерины II для строившегося в Петербурге здания Академии художеств


Морис Кантен де Латур, Ла Тур; фр. Maurice Quentin de La Tour; 1704—1788) — французский живописец и рисовальщик, академик Королевской академии живописи и скульптуры (с 1746; ассоциированный член с 1737). Один из крупнейших портретистов XVIII века, наряду с современниками Жаном-Батистом Перронно и Жаном-Симеоном Шарденом — один из крупнейших мастеров французского пастельного портрета. Девятнадцати лет от роду покинул свой родной город, Сен-Кантен, и явился в Париж, где учился у посредственного живописца Дюпуша и у некоторых других художников. Через несколько лет после того отправился в Реймс и Камбре, случайно приобрел благорасположение к себе английского посланника при французского дворе, взявшего его с собой в Египет, и работал там настолько успешно, что возвратился в Париж с порядочной суммой денег и репутацией искусного «английского» живописца.
В течение двух лет совершенствовал себя в рисунке, чем достиг в пастельном роде живописи такого мастерства, равного которому не обладал никто из предшествовавших ему и, может быть, из следовавших за ним пастелистов. Известность его росла все более и более, чему способствовала также и мода на пастель, распространившаяся в тогдашнем французском обществе.
Первые два произведения Латура (портреты его самого и жены живописца Буше), выставленные в парижском салоне 1737 года, доставили ему звание сопричисленного к Академии художеств; в 1746 году он был избран в её действительные члены, а в 1750-м получил титул королевского живописца, который и сохранял в течение 23 лет. В 1780 году удалился на покой в свой родной город

Мари;-Элизабет-Луи;за Виже;-Лебре;н, также Виже-Лебрён (фр. ;lisabeth-Louise Vig;e-Le Brun; 16 апреля 1755, Париж — 30 марта 1842, Париж — французская художница, мастер светского портрета, автор подробных воспоминаний. Дочь портретиста Луи Виже[en], сестра писателя Этьена Виже и супруга художника и торговца произведениями искусства Жан-Батиста Лебрёна[fr]. Мать Элизабет, Жанна Мэссен, была парикмахером. Любимая художница королевы Марии-Антуанетты, после революции Виже-Лебрен была вынуждена покинуть Францию. В конце 1790-х годов работала в России.Её живопись ценна тем, что она оставила в наследие исторические зарисовки особ монаршего дома, которого теперь нет и оно ушло в предания, правдивые или домыслов. Изящество манеры, утонченность, пылкость, жизнерадостность, глубина,  тонкое проникновение в личность, событие делает её творчество истинным подарком для времени сегодня, скептическое и нигилистское.


Художник Жан-Батист Грёз (Jean-Baptiste Greuze) родился во Франции в Турню, 21 августа 1725 года. Его карьера началась с обучения у знаменитого лионского живописца Грандона. С 1750 года художник начал учиться в парижской Академии художеств у Натуара.С 1769 года, став академиком, художник Жан-Батист Грёз, решил заняться исторической живописью и отправился в Рим, для изучения работ итальянских живописцев, которые писали исторические полотна.
Вернувшись в Париж Jean-Baptiste Greuze представил публике некоторые из своих работ на историческую тему, но публика встретила эти полотна достаточно прохладно. И художник снова начал писать жанровые картины, и очень скоро завоевал себе славу одного из лучших живописцев Франции.
Во времена Французской революции художник жил уединённо, в политическую борьбу не вмешивался, продолжал писать и постепенно сколотил достаточно приличное состояние, но занялся инвестициями и очень скоро стал нищим. Он умер бедным и забытым своими соотечественниками в марте 1805 года, в Лувре.
Сегодня Жана-Батиста Грёза называют одним из величайших художников в мире

Жан Огю;ст Домини;к Энгр (фр. Jean Auguste Dominique Ingres; 1780—1867) — французский художник, живописец и график, общепризнанный лидер европейского академизма XIX века. Получил и художественное, и музыкальное образование, в 1797—1801 годах учился в мастерской Жака-Луи Давида. В 1806—1824 и 1835—1841 годах жил и работал в Италии, преимущественно в Риме и Флоренции (1820—1824). Директор Школы изящных искусств в Париже (1834—1835) и Французской Академии в Риме (1835—1840). В молодости профессионально занимался музыкой, играл в оркестре Тулузской оперы (1793—1796), в дальнейшем общался с Никколо Паганини, Луиджи Керубини, Шарлем Гуно, Гектором Берлиозом и Францем Листом.
Творчество Энгра делится на ряд этапов. Как художник он сформировался очень рано, и уже в мастерской Давида его стилевые и теоретические изыскания входили в конфликт с доктринами его учителя: Энгра интересовало искусство Средневековья и Кватроченто. В Риме Энгр испытывал определённое влияние стиля назарейцев, его собственное развитие демонстрирует ряд экспериментов, композиционные решения и сюжеты ближе к романтизму. В 1820-е годы он испытал серьёзный творческий перелом, после которого стал использовать почти исключительно традиционные формальные приёмы и сюжеты, хотя и не всегда последовательно. Энгр определял своё творчество как «хранение истинных доктрин, а не новаторство», однако эстетически постоянно выходил за пределы неоклассицизма, что выразилось в его разрыве с парижским Салоном в 1834 году. Декларируемый эстетический идеал Энгра был противоположен романтическому идеалу Делакруа, что привело к упорной и резкой полемике с последним. За редкими исключениями произведения Энгра посвящены мифологической и литературной тематике, а также истории античности, истолкованной в эпическом духе. Он также оценивается как крупнейший представитель историзма в европейской живописи, заявляя, что развитие живописи достигло пика при Рафаэле, далее пошло в неверном направлении, и его, Энгра, миссия — продолжить с того же уровня, который был достигнут в эпоху Ренессанса. Искусство Энгра — цельное по стилю, но очень неоднородное типологически, и потому по-разному оценивалось современниками и потомками. Во второй половине XX века работы Энгра выставлялись на тематических экспозициях классицизма, романтизма и даже реализма