Стихоград. Жемчужный сборник. Жемчужные мгновения

|М|ного страниц в метро интересных,
|Е|дешь в музее картин чудесных.
|Т|ам очутиться – волнующий миг,
|Р|азных глубинных чувств достиг.
|О|собые станции: читайте законы,
|П|оиски истины, движенье – препоны.
|О|бразы здесь художественные живут:
|Л|ичности и лампочки свет несут;
|И|нтерес, оживленье, – придаёт красота
|Т|аланта шоу, в ней быль иль мечта.
|Е|здовые дороги торопливо бегут, –
|Н|овые посетители приключений ждут.

* препона – устаревшее слово: препятствие, преграда; помеха, затруднение.





ЭЛЕКТРОННЫЙ СБОРНИК. ЖЕМЧУЖНЫЕ МГНОВЕНИЯ. ТЕКСТ.

Жемчужные мгновения
Флэш-книга http://online.pubhtml5.com/wytl/scvf/
pdf-файл http://kovcheg.ucoz.ru/_ld/2/259_d7F.pdf

 
Жемчужные мгновения / кол-во стр.66, 2022г. Оформление сборника – Ирина Петал.


   Небольшое путешествие в мир искусства. Художники сборника: Жан Антуан Ватто, Павел Андреевич Федотов, Борис Михайлович Кустодиев, Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек-Монфа, Эдгар Дега, Жорж-Пьер Сёра, Поль Гоген, Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес, Винсент Виллем Ван Гог, и их творческие жемчужины. Экскурсовод сборника: поэт-современник Михаил Павлович Гуськов.
   Для каждого человека свои удивительные жемчуга-личности, которые его чем-то восхищают, минуты встреч с которыми он нанизывает на своё ожерелье памяти, связывая тонкой нитью ощущений и слов.  Личности – мастера своего дела. Личности – живые книги со своими историями, у которых учишься мастерству и искусству жить. Личности, которые другим помогают раскрываться. Их души – жемчуга мирозданья, к ним устремляются реки познанья.
   Сборник – знакомство с талантливыми творцами искусства, писавших о своём времени и его обитателях, говорящих о них словом и красками, колоритно, живо, с любовью.


Я – как художник Ватто
Метасказ

Лето ушло и надежда пропала,
Мир хорошеть перестал,
Порох остался, но нету запала,
Кто-то Царь-пушку украл.
Лужи и грязь, осень в полном порядке,
Далее – снег и метель,
Только заначка и греет в подкладке,
Что не украли досель.
Я в гардероб не сдаю бриллианты,
Просто гуляю, как пэр.
Холодно, мёрзнут зимой дилетанты,
Те, кому я – не пример.
Всё потому, что в подкладках их пусто,
Там лишь потёртый ватин,
А у меня под подкладкою – люстра
В сто ювелирных витрин.
Свет от меня, но его вам не видно,
Я, как художник Ватто,
Прятать ему бриллианты обидно
Было в подкладке пальто.

2019г.
© Михаил Гуськов


Метасказ – сообщение более высокого порядка, содержащее важные вывод, решение или истину, открывшиеся Поэту логикой стихотворного сюжета в действительной реальности. Сюжет метасказа, как правило, развивается на стыке действительной и "параллельной" реальности, приводя к закономерному выводу, обязательному для обеих реальностей.


*
Розальба Каррьера. Портрет Антуана Ватто. 1721.


Жан Антуан Ватто (1684, Валансьен - 1721, Ножан-сюр-Марн) – французский живописец, рисовальщик, академик Королевской академии живописи и скульптуры, оставил после себя большое количество картин, рисунков. Антуан Ватто построив свою карьеру художника на огромном трудолюбии и таланте. Ни стесненность в средствах, ни отсутствие должного образования, ни принадлежность к кругам, далеким от искусства, ни сложный характер, ни  слабое здоровье, – ничто  не помешало Ватто получить признание. Персонажи его картин продолжают жить и играть со зрителем.

Любовь к рисованию, как главная движущая сила

   Для Антуана Ватто была придумана собственная ниша в искусстве – настолько велика была потребность как-то отделить его произведения от картин современников. Ничто, казалось бы, не предрекало блестящей карьеры живописца мальчишке из Валансьена, на границе Франции и Фландрии. Ватто появился на свет в 1684 году. Его отец был кровельщиком и человеком не самого утонченного воспитания – он имел проблемы с законом и постоянно испытывал потребность в деньгах. А Жан Антуан интерес к рисованию ощущал с самого раннего детства и даже брал кое-какие уроки у местного живописца, но многого от Валансьена ждать не приходилось; наставник от дальнейших уроков с Ватто отказался. Еще не достигнув возраста 18 лет, юноша тайком покидает родной город и отправляется в Париж, движимый стремлением быть окруженным произведениями искусства.
   Ни крепким здоровьем, ни лёгким нравом Ватто не мог похвастать, путь в искусстве он прокладывал собственным энтузиазмом. Пришлось добывать себе хлеб копированием картин для мастерской на мосту Нотр-Дам – и Ватто штамповал один за другим дешёвые наброски, а закончив работу, отправлялся делать зарисовки с натуры – на улицах, площадях, ярмарках.
   Париж и Франция в начале XVIII века были охвачены модой на театр. Для художников работы было много – был спрос на создание декораций и на разработку сценических костюмов. А работы Ватто не боялся, более того, умел погружаться в неё целиком, жертвуя всем остальным миром. К тому же Париж и связи, которые постепенно появлялись у молодого художника, давали возможность соприкоснуться с произведениями мастеров высочайшего уровня.

Учеба, работа и вдохновение

   Театры кормили не только артистов, но и художников-декораторов. Помогли и удачные знакомства. В какой-то момент Ватто становится учеником Клода Жилло, художника, который создавал декорации к театральным постановкам и рисунки моделей костюмов. Благодаря своему учителю Ватто узнал театр изнутри, его нюансы, скрытые для посторонних глаз. Никакого академического образования Ватто не получил, он учился живописи и рисунку на ходу. Талант и бесконечная работоспособность привели его во французские дворцы. В первую очередь, это был Люксембургский дворец, где хранителем огромной коллекции художественных произведений был Клод Одран, новый учитель и впоследствии приятель Ватто. В залах дворца, где размещались произведения, по разным причинам не попавшие в Лувр, Ватто смотрел Корреджо и Пуссена, и многих других мастеров, и заочно учился у них живописи. Уникальное отображение на холсте света и цвета, движения – всё это Ватто почерпнул у великих мастеров.
   В 1709 году Ватто принял участие в конкурсе Королевской академии художеств, где главным призом была поездка на год в Рим. Ватто рассчитывал на победу и был сильно разочарован, получив второе место. Поражение он решил пережить в родном городе Валансьене, где сам к тому времени уже был парижской знаменитостью. Спустя менее чем год Ватто вернулся в Париж. Там его ждали новые удачные знакомства, снова самым непосредственным образом связанные с театрами. В 1714 году Ватто переехал в особняк к своему другу Пьеру Кроза, богатому человеку и большому знатоку искусства, любителю концертных и театральных постановок. Он представил талантливого приятеля академику живописи Шарлю де Лафоссу, а тот уж ходатайствовал о принятии Антуана Ватто в Академию. Картиной, выставленной на суд, стало «Паломничество на остров Киферу». Это произошло в 1717 году; жить художнику оставалось три года.

Художник галантных празднеств

   Несмотря на короткую жизнь, Ватто успел насладиться признанием. Он стал «художником галантных празднеств» – потому что именно такому виду времяпрепровождения были посвящены его многочисленные произведения. Весь мир тогда и впрямь считался театром, каждый играл свою роль – это главное, что несут в себе картины Ватто, на которых иногда не отличишь актера от парижского графа – поскольку и тот, и другой ведут игру на публику.
   Интерес к актерам, к закулисной жизни, к сущности лицедейства был у Ватто вполне искренним, и можно проследить, как менялся его стиль с течением времени. Поначалу полотна с изображением актеров отличала особенная выразительность, нарочитость мимики и жестов; со временем Ватто переходит к минимальному выражению эмоций, оставляя на лицах персонажей и в их жестикуляции лишь намеки – отчего картина становится лишь выразительнее. Недосказанность и сдержанность лишь разжигают интерес – композиция приобретает новое звучание, в ней появляется таинственность.
   В 1720 году Ватто скончался от туберкулеза в возрасте 36 лет. Биография Ватто не дает никаких сведений о его личной жизни. Всю жизнь, даже будучи известен и богат, Ватто предпочитал жить «на краю чужого гнезда». Приехав из Англии за год до смерти, он останавливается у торговца предметами искусства, некоего Жерсена, владельца лавки с громким названием «Великий монарх». Ватто сам вызвался написать для лавки вывеску. Работал по утрам, а после обеда, обессиленный кашлем, валился без сил. И в недельный срок на свет появилась знаменитая «Лавка Жерсена» – её придирчивый Ватто считал лучшей из всех своих картин. Жерсен станет первым, очень тактичным, биографом своего рано умершего друга. Всю короткую жизнь Антуану Ватто удивительно везло с друзьями.


*
Картины на «Вывеске Жерсена» не условны, узнаваемы: Веласкес, Рубенс, Йорданс. А в ящик пакуют портрет Людовика XIV, написанный придворным художником Риго. Король-Солнце скрывается со сцены, сыграл в ящик. Для биографии Ватто этот образ очень символичен, ведь ему суждено было стать родоначальником новой эпохи в живописи, наступившей, как реакция на искусство уходящего века Людовика XIV, – эпохи рококо.


*
Антуан Ватто. «Пьеро (Жиль)». ок.1718-1719


Жиль в костюме Пьеро

   Картина не имеет аналогов в истории искусства. Картину считают печальной, едва ли не трагической. А между тем лицо Жиля, если смотреть на него, трагичным не кажется. Круглое, курносое, с чуть приоткрытым, как у куклы, ртом; большие темные глаза смотрят, скорее, растерянно, чем грустно. Фигура актера, чудится, не стоит на земле, а подвешена, подобно плоскому картонному паяцу, на невидимых нитях, и странное оцепенение сковывает её, в то время как актеры в глубине полотна улыбаются, двигаются, разговаривают. Они из плоти и крови и совсем не обращают внимания на отвернувшегося от них задумчивого чудака.
   У Жиля нет иных собеседников, кроме зрителей. И зритель невольно вступает в безмолвный, интимный и доверительный диалог с глядящим на него человеком. Нелепый бесформенный балахон, и потерянная поза, нарочито театральный задник не дают забыть о сцене, тем более что и низкий горизонт способствует тому, что мы смотрим на актера как бы снизу - из партера. И уже не различить, где живое лицо актера, а где маска комедианта, где кончается театральная наивная доверительность и начинается доверительность просто человеческая. А лицо Жиля ищет сочувствия зрителей, эфемерная, утомительная жизнь подмостков ему постыла, холст Ватто сковал движения человека, как сковывает их роль.
   В "Жиле" соединилось лучшее в таланте Ватто: и застенчивая человечность, и умение понимать людей, вовсе не желая говорить о них слишком бесцеремонно, и любовь к театру, и способность увидеть за маской лицо, за комедиантом человека, и дивный колорит, и, главное, высокий дар сказать и показать многое с той долей улыбки, которая настойчиво напоминает о том, что нет ничего однозначного в этом мире.


*
Флирт, проявления галантности – центральная тема рококо. Нарядно одетые герои явно принимали участие в каком-то увеселении, а вот сейчас удалились от общества, чтобы прояснить отношения наедине. «Капризница» демонстрирует интересный психологический разворот – женское раздражение от навязчивого внимания.


Маскарады Жана Антуана Ватто

   Комедия Дель Арте (commedia dell’arte) или комедия масок, –
импровизационный уличный театр итальянского Возрождения, возникший к середине XVI века, по сути, сформировавший первый в истории профессиональный театр. Комедия вышла из уличных праздников и карнавалов. Её персонажи – социальные образы с типическими чертами. Пьес как таковых не было, разрабатывалась только сюжетная схема, сценарий, который по ходу спектакля наполнялся живыми репликами, варьировавшимися в зависимости от состава зрителей. Эти спектакли были излюбленным развлечением простого народа, настоящим уличным театром. Спектакли всегда были веселыми и актуальными.
   Определенная маска закреплялась за конкретным актером раз и навсегда, однако роль бесконечно варьировалась и развивалась в процессе каждого представления. В силу географической близости и родственности итальянского и французского языков особенно популярна комедия Дель Арте была во Франции, где её стали называть импровизационной комедией. Французские артисты не носили масок, а предпочитали вместо этого белить лицо мукой и подрисовывать углем усы и бороду. Некоторые персонажи изменили свои имена под воздействием французских реалий: Пульчинелла превратился в Полишинеля, а Педролино – в Пьеро.  Импровизации стало меньше, но она оставалась основой театра.
   Основная особенность маски – утаивать истинное лицо. Особенно востребована маска стала в культурном пространстве начала XVIII века в эпоху господства французского рококо.
   Маскарад, как создание нового образа жизни, новой художественной мифологии, новой картины мира, захватывает театр, изобразительное искусство, досуг парижан, помогая противостоять режиму Людовика XIV.
Интерес к классической трагедии сменяется увлечением фривольными операми-балетами, костюмированными балами в столичных театрах и частных домах аристократии, ярмарочными представлениями в предместьях. Игра в персонажей, преображение, переодевание модными пастушками, пилигримами и турецкими пашами – перестали быть привилегией профессиональных актеров, но сделались любимым времяпрепровождением всего галантного общества того времени. Маски комедии Дель Арте явили себя в новом качестве – превратились в один из способов борьбы с наскучившим придворным этикетом Короля-Солнца, со стилем уходящей эпохи, и стали символом нового века.


Постаревший Пьеро
Чарида

Город спит в прозрачной пыли.
Ночь. Луна, как серебро.
Грустный клоун, это ты ли,
Что прекрасным был Пьеро?!

Больше души нам не мутишь,
Нет стихов, любви и роз,
Почему так зло ты шутишь,
Доводя нас всех до слез?

Ты был символом Удачи,
Нес нам счастье и добро,
Раньше плакали иначе –
От любви к тебе, Пьеро!

А теперь одни сарказмы,
Грим смешной, разбита бровь…
Без тепла былого фразы!
И стихов нет про любовь!

«Ах, прекрасные принцессы,
Мне быть прежним – не дано.
Не принцессы – клоунессы
Ведь и вы уже давно!

И стихи, где много ласки,
Я могу вам прочитать,
Но потрёпанные маски
С наших лиц уже не снять!»

2015г.
© Михаил Гуськов

Чарида – поэтическое произведение о состоянии души, когда хочется плакать, а плакать нельзя, когда любишь, но не можешь об этом говорить. Чарида – это большее, чем любовь мужчины и женщины, это то, что навеки соединяет их в параллельной реальности. Это не просто слова о любви, это сама любовь...


Арлекин и Пьеро

Арлекин и Пьеро захотели дружить
С белокурой, красивой Мальвиной,
И, влюбившись, они стали розы дарить,
Чтоб связать с ней себя паутиной.

Арлекин и Пьеро необычны на вид,
Этот – в белом, а тот – в ромбовидном.
Были б деньги, а цирк для любого открыт,
Никому в нем смеяться не стыдно.

Арлекин и Пьеро, вы артисты во всём,
Там, где вы, – и аншлаги, и зритель,
Но Мальвина вздыхает и грезит о том,
Кто лишь в цирке простой посетитель.

Арлекин и Пьеро, был Мальвины ответ:
«Я люблю как друзей вас, и только.
Мы играем лишь то, что придумал поэт,
Я прошу вас не делать мне больно!»

Арлекин и Пьеро, вот и пьесы итог,
Карабас Барабас это слышал,
Показал он Мальвине большой кошелёк
И украдкой из цирка с ней вышел.

Арлекин и Пьеро, кто страдал и любил...
Это – цирк, и здесь каждый играет.
Карабас Барабас свою бороду сбрил
И с Мальвиной под ручку гуляет.

У кого серебро,
Те смеются хитро,
А у нас вновь от бублика – дырка.
Арлекин и Пьеро,
Арлекин и Пьеро,
Вы артисты всемирного цирка.

2016г.
© Михаил Гуськов

 
Любовники. Сюжеты NN 1-3
Сюжет N1

Арлекин с Арлекинессой,
Как стюард со стюардессой,
Жили в цирке Шапито,
Нарисованном Ватто.

И качались на качелях,
И валялись на постелях,
Были красочной мазней,
Занималися фигней.

А летать на самолете,
Прозябая на работе,
Не про них такой расклад,
А Ватто тому и рад.

Рисовал их в лучшем виде,
Арлекин был не в обиде,
С Арлекиншей он хотел
Слиться в близости их тел.

Арлекины очень гибки,
На губах у них улыбки,
И такие позы тел,
Что Ватто совсем сомлел.

Это видно по картине,
Что рассматриваем ныне,
Рисовал он от души –
Больно краски хороши.

Есть такая в Третьяковке:
Арлекиния в обновке,
К Арлекину сев спиной,
И кричит ему: «Ой-ой!»

За нее мы все в тревоге,
Что за руки, что за ноги! –
Настоящая принцесса –
Звать ее Арлекинесса!

Из запасников картина,
Арлекин такой мужчина! –
И торчит из-под пальто
Подпись: «Рисовал Ватто!»
2016г.

Сюжет N2

– Все прекрасно! – она сказала.
Спорить с женщиной я не стал,
А потом и совсем пропала:
Жизнь, ведь, это – девятый вал!

Только встреча случилась снова...
Закружившись в хмельной волне,
Как Садко у Царя морского,
Я тогда был на самом дне.

С веерами она плясала,
Шлейф за ней иль русалки хвост...
Но она меня не узнала
Среди лилий с лучами звёзд.

Я сидел за большим кораллом.
Выпью водки, потом всплыву...
Но она ко мне доплясала –
И я в замке теперь живу.

Люди, мы для них только пешки,
Под запретом их мир для нас...
И нас щёлкают как орешки,
Завлекая сначала в пляс...

На поверхность я выплыл всё же,
Но двоится с тех пор в глазах:
Царь морской и его вельможи...
Танец женщины в веерах...
2017г.

Сюжет N3

Арлекин и Коломбина,
Как смычок и мандолина:
У неё красивый звук,
А он – доктор всех наук!

Академия их – цирк,
И не надо делать – фырк!
Лучше томно скажем – ах!
И  с улыбкой на губах.

А еще здесь есть Пьеро,
У него в штанах zero,
И на шапочке помпон,
Потому что он влюблён!

А еще Мальвина здесь,
Есть у ней девичья честь,
Хоть пытался Карабас
И отнять ее не раз.

Удалось ему частично,
То, что очень неприлично.
Это цирк, здесь мир такой,
В нем герой всегда изгой!

Папа Карло, настрогай
Буратине сладкий рай,
Чтоб ему Мальвина нос
Целовала бы взасос!
2017г.
© Михаил Гуськов


*
Ватто изобразил в картине «Галантный Арлекин и Коломбина» персонажей комедии Дель Арте. Главным сценическим языком Арлекина, организатора интриги, в комедии масок были кульбиты, оплеухи и палочные колотушки, которые он то раздает, то сам получает.

 
Садовники

Всё вовремя свое берет!
Быть дорогим всему черед,
Когда что надо.
Садовник, школенный на английский манер
Для разведенья парков, сквер,
Из своего превычурного сада
В простой фруктовый сад зашел
Да глазом как кругом обвел –
Смутился!
Так глаз его к дорожкам приучился,
К их красноватому песку,
К обстриженному дерну по шнурку,
Где по аллеям в грунте,
Ровней солдат во фрунте,
Стоят подстриженны деревья и кусты,
Где всюду столько чистоты,
Не говоря уж про цветы!
А это: без толку деревьями засажен:
Где между них – аршин, где – сажень;
Подбора вовсе нет пород:
Там вишня между груш растет,
Тут между яблонями – слива,
Всё в беспорядке, как пришлось,
Везде неряшество, навоз, –
Куда как некрасиво!..
То подпертой тычиной сук,
То сам хозяин, как паук,
Оплел всё дерево сетями,
Не ладя, видно, с воробьями…
«Ну уж сад!.. –
Сказал наш садовод, с хозяином столкнувшись. –
Забрался я к тебе, любезный, да не рад!
Ходить совсем нельзя, тут лазей всё нагнувшись;
Дорожек нет; в глаза торчат
Сучки, листы! Тут с раза
Иль ногу вывихнешь, или уйдешь без глаза!
А звал еще смотреть!.. Нет, в нашем – хоть танцуй!..»
— «Толкуй себе, толкуй! —
Хозяин отвечал. — Твой садик – точно, загляденье;
А мой хоть некрасив, нечист,
Зато уж объеденье!
По осени, убрав свой желтый лист,
Приди ко мне опять – дам фруктов и варенья!»

Не унывай, артист,
Что всё в тебе для света модного шершаво;
Зато подчас за твой талант
Тебе и самый модный франт,
Завидуя, воскликнет: «Браво!»
Право!..

1849 или 1850
© Федотов Павел Андреевич


Памяти великого русского
художника Федотова

Федотов – несколько сюжетов,
А сколько русской жизни в них!
Я, как и он, но из поэтов,
Мои сюжеты – нож под дых;

В нём – теплота и нету яда,
Во мне есть злость и тёмный фон.
"Анкор, ещё анкор!" – и надо
Лезть из себя из кожи вон!

Он на меня глядит с укором,
Но мне быть скромным не дано:
Когда-то, ведь, я был майором
И так же сватался смешно...

Я, через много поколений,
К успеху путь свой пролагал.
И, как и он, был тоже гений,
Но денег этим не сыскал.

Мы оба жили на пределе,
Душой открытой на ветру...
И, как Федотов, в богадельне,
Забытый всеми, я умру...

2022г.
© Михил Гуськов


*
Автопортрет. 1848

   Павел Андреевич Федотов (22 июня (4 июля) 1815, Москва – 14 (26) ноября 1852, Санкт-Петербруг) – выдающийся русский живописец и рисовальщик, один из родоначальников критического реализма в русской живописи. Павел Федотов прожил короткую жизнь, но успел создать немало прекрасных произведений живописи и графики. Помимо изобразительного искусства он на протяжении многих лет увлекался поэзией, писал стихи и басни, а также сочинял романсы и музыку к ним. Особенности его творчества: картины и рисунки Федотова отличает остроумие, тонкая наблюдательность, умение подмечать типичные черты разных сословий и обстоятельств их жизни, точность социальных характеристик. В начале пути пробовал себя в батальной живописи, но довольно быстро понял, что его призвание – жанр. Объектом его мягкой сатиры были нравы большого города, героями – купцы, чиновники, дворянские семейства, компании холостых офицеров, эмансипированные дамы. Известные картины Павла Федотова: «Свежий кавалер», «Сватовство майора», «Завтрак аристократа», «Разборчивая невеста», «Вдовушка». По профессии он был военным, капитаном гвардии. В официальной резолюции высокого начальника Федотова, императора Николая I, предписывающей подчинённому оставить службу и заняться живописью, есть замечательная по своему изяществу формулировка –  «рисующий офицер».

Учеба, работа и вдохновение

   Он родился в бедной семье екатерининского служаки в Москве, в приходе Харитония, близ Красных Ворот. Предоставленный сам себе, он проводил время в шумных играх и драках со сверстниками, беготне по сенникам и чердакам летом, катанию с горок зимой. Именно жизнью в патриархальном московском захолустье искусствоведы потом будут объяснять своеобразие живописи и графики Федотова. Павел и сам хорошо понимал, что источник его художества в том, что он в детстве мог вдоволь наблюдать торговок и кухарок, ключниц и пономарей, купцов и простонародье, приходских священников и ушлых свах – людей, как он сам их называл, «неуглаженных светской жизнью».
   11-ти лет Федотова отдали учиться в кадетский корпус. На уроках рисования в корпусе Федотов слыл лентяем. Гораздо больше занимали его история с географией. Там, где над страницей учебника однокашники начинали зевать, Федотову рисовались ярчайшие сцены. Он был наделён редким воображением. За сухими страницами вставали масштабные битвы, жуткие и красочные подробности дворцовых переворотов, буйная растительность экзотических стран и далёких континентов. Обучаясь не искусству, а военному делу, он не был скован мертвящими академическими требованиями, рисовал как Бог на душу положит. Никто не ограничивал его живой и цепкой наблюдательности, а посему все тетрадки и записные книжки кадета Федотова были измалеваны карикатурами. Карикатуры выходили очень похожими и не обидными. Он слыл добрым малым, был первым по успеваемости, пел и играл на гитаре. За масляные краски он поначалу браться не решался, но много упражнялся в графике, акварели и сепии.
   Довольно долго его основной темой оставалась та, что перед глазами, – военная. Опекавший подразделение Федотова великий князь Михаил Павлович был в таком восторге от батальных талантов гвардейца (и от собственных портретов, которые Федотову удавались особо), что подарил ему бриллиантовый перстень и доложил о нём государю Николаю Павловичу.

Любовь к рисованию, как главная движущая сила

   Когда Федотов дозрел, что профессиональная выучка ему всё-таки необходима, он был уже сложившимся художником. Федотов стал посещать вечерние классы Академии. Преподаватели видели в переростке чудака, а он, как проклятый, до ночи работал в классах, заставленных образцами человеческих носов и ушей. Фламандцы и голландцы в Эрмитаже довершили образование Федотова. Они убеждали в том, о чём он и сам догадывался: значительнее всего – обыденность. Именно её и нужно изображать.
К 1844 году Федотов встал перед сложным выбором между карьерой военного и неопределённой будущностью художника. Он ходил советоваться к Брюллову, самому успешному на тот момент русскому художнику. Брюллов не рекомендовал уходить в отставку, говорил: в возрасте Федотова становиться художником поздновато. Но вмешался Иван Андреевич Крылов. Благодушный и флегматичный с виду, на деле он был язвителен и трезв. Крылов видел карикатуры и наброски Федотова и пришёл в восхищение. Цепкость взгляда, жизненность, – всё это было сродни самому Крылову. Баснописец преодолел свою легендарную лень и написал Федотову письмо. Суть его сводилась к тому, что задача художника в современном обществе – обличать скверность русской жизни и тем самым способствовать её улучшению. Миссия трудная, но благородная. Федотов воспринял слова Крылова с энтузиазмом и вышел в отставку, сохранив за собой «друга и денщика» Коршунова.
   Павел Андреевич обладал приятной наружностью, был очень обаятельным человеком, и не был обделен женским вниманием. Но художник был уверен, что профессия художника и любовь к женщине несовместима. Он прямо говорил: «Моей жизни не хватает отдаваться одновременно и искусству, и любимой женщине».

Художник по живописи домашних сцен

   С 1846-го по 1848-й созданы главные картины Федотова, которые сразу обеспечили ему всё, кроме богатства: признание коллег, звание академика, огромную популярность у зрителей. Первым был написан «Свежий кавалер», немного позже – «Сватовство майора», «Разборчивая невеста» и «Завтрак аристократа». На выставках к ним было не протолкнуться. Толпа не редела до вечера. Для середины XIX века оказалось откровением увидеть на холсте не государей императоров, прославленных военачальников, античных божеств, а собственных современников – заурядных, смешных и таких узнаваемых.
   Вместе с гравером Вернадским Федотов задумал издавать нравоучительный журнал. Для него предназначались десятки карикатур, разбросанных ныне по музеям и частным собраниям. Выбирая название, колебались между «Вечер вместо преферанса» и «Северный пустозвон», но потом дело расстроилось.
   Жил Федотов аскетом. Вставал очень рано. Обливался холодной водой и, напившись чаю, шел «толкаться между людьми». Бродил по городу, доходя до самым захолустных его частей, в поисках «живых типов». Знакомился с представителями городского дна – портовыми «Евами» и нищими. Драгоценную натуру, прежде чем «подсмотреть у природы», еще предстояло найти. Здесь было что-то сродни охоте. Однажды Федотов несколько километров шёл за неким «субъектом в зелёном картузе», только чтобы запомнить его движения и мельчайшие детали лица.
   Бедствуя сам, Федотов содержал оставшихся в Москве отца и сестёр. Для себя снимал в Петербурге маленькие домишки, причем всегда из двух комнат одна служила ему спальней и мастерской, а вторая – отдавалась в безраздельное пользование Коршунову. Денщик увешивал стены от пола до потолка лубочными картинками и убеждал визитёров, что нарисовал их сам – по примеру хозяина.
   Для знавших Федотова его душевная болезнь оказалась громом среди ясного неба. В приступе буйного помешательства он был пойман полицией и помещён в клинику для душевнобольных. Незадолго до этого художник, не склонный ранее к ни к странностям, ни к унынию, вдруг начал тосковать, а потом чудить. На редкий крупный гонорар за картину зачем-то купил драгоценностей, неожиданно посватался сразу в нескольких известных ему домах. В лечебнице Федотов, отличавшийся крепостью мускулов, будет выдирать из стен гвозди. В периоды относительных просветлений к Федотову пускали друзей. Он поражал их тем, в чем раньше не был замечен, – прожектёрством. Вещал, что нужно превратить Васильевский остров в Афины. Показывал рисунок: государь Николай I в лупу наблюдает за крошечным Федотовым. Доктора жаловались: изрисовал в палате все стены. Когда через 5 месяцев художник умер в доме скорби от плеврита, плакать на похоронах было некому: товарищи давно уже мысленно похоронили его. Безутешно рыдал только верный денщик Коршунов. К основному горю примешивалось чувство вины. Федотов просил его передать друзьям, чтобы пришли проститься. Слуга перепоручил дело кому-то третьему, вестник по пути забежал в трактир, напился, словно персонаж многочисленных федотовских карикатур, и завалился спать чуть не в канаву. Когда весть о горячке Федотова дошла до адресатов, прощаться было уже не с кем – художник окончил свои дни в полнейшем одиночестве. Ему было 37.

Жила национальности и сатиры

   Павел Андреевич является родоначальником критического реализма в русской живописи. В его творчестве преобладают два направления. В первом преобладают рисунки и эскизные наброски, созданные под сильным влиянием Хогарта. Федотов добивается не столько точного воспроизведения действительности, сколько рельефно выставляет напоказ общечеловеческие слабости. Сюжет этих произведений отличается сложностью и запутанностью. Преобладающий элемент работ – карикатура. По мере совершенствования, характер произведений менялся, становясь менее изысканным. При этом типичность изображаемых фигур, осмысленность их движений и экспрессивность лиц не только не ослабевали, но и возрастали вследствие того, что художник всё чаще работал с натуры, не навязывая ей форм и выражения, представлявшихся его фантазии, но подыскивая в реальном мире то, что соответствовало этим представлениям. Нагромождённость композиции, разъяснение её посредством разных мелочей постепенно сменялись простотой и естественностью. Сама идея, ложившаяся в основу композиции, становилась всё более близкой к жизни. Федоров открыл новую жилу национальности и сатиры, первый из всех художников показал пример удачной её разработки и оставил  в наследство последующим талантам.


*
«Сватовство майора» отражает довольно распространенную тенденцию в России XIX века: немолодой холостяк, желающий поправить свое материальное положение, женится на купеческой дочери. Художник показал не само сватовство, а предшествующие ему минуты. Композиция напоминает театральную постановку с последовательно развивающимся действием от бравой фигуры майора к главным героям произведения (дочь и мать). Данной композиционной схемой автор подчеркивал неискренность и лживый блеск происходящего. Взаимосвязь персонажей прослеживается в их жестах и позах. Автор акцентирует внимание на купеческом образе жизни, на его простом, но основательном быте. Несмотря на комедийность ситуации, картина передает теплую семейную атмосферу. Все действующие лица всего лишь заложники сложившихся обстоятельств. Живописец посмеивается над ними без злости и гнева, а с добросердечной иронией. Весёлая сцена осуждает женитьбу по расчету и призывает к переустройству общественного уклада.


*
Офицер, облик которого напоминает Федотова, улыбается кошке. Денщик, писанный с реального денщика Коршунова,  верного друга художника,  продувает чубук. Славное, без затей изображение офицерского досуга – честная бедность, молодость, терпеливо идущая к будущему благополучию.


*
В центре картины – чиновник в позе римского оратора, гордясь собой, указывает на орден, в ответ беременная кухарка демонстрирует рваный сапог. Перед нами пародия на героические сцены в античном духе. Как самостоятельные персонажи трактованы вещи, окружающие героев.


Отдыхает пусть Кустодиев
Лиаризм в стиле ГуськоFF

Я живу, так скажем, в Сколкино:
Дом, веранда, стол на ней,
Самовар купца Иголкина –
Серебро в фарфоре дней.

Жизнь моя, к закату близкая,
Новой радостью полна:
Секретарша Ивелинская –
Просто Дама, не жена.

Женщин видел много, вроде, я,
Но она, ни дать ни взять,
Та, что так любил Кустодиев
С чашкой чая рисовать.

Вы решите: он – бравирует,
Мол, немало лет уже,
Но она стенографирует
Каждый день мне в неглиже.

Пятьдесят, ведь, – не трагедия…
Разалелась дама вся:
"Ох!" и "Ах!" – все междометия,
На лист Вечности внося.

Знатно прогремлю в народе я,
Свой с ней выставив сюжет:
Отдыхает пусть Кустодиев –
Я в стихах пишу портрэт!

2010г.
© Михаил Гуськов


*
Художник разрабатывал своеобразный жанр портрета, вернее, портрета-картины, в котором модель связана воедино с окружающим её пейзажем или интерьером. Одновременно это обобщённый образ человека и его неповторимая индивидуальность, раскрытие её через окружающую модель мира. В дальнейшем, Кустодиев постепенно всё более смещается в сторону иронической стилизации народного быта, особенно, купечества, с буйством красок и плоти.


*
Борис Михайлович Кустодиев (23 февраля (7 марта) 1878, Астрахань - 26 мая 1927, Ленинград) – русский и советский художник. Академик живописи ИАХ (с 1909). Член Ассоциации художников революционной России (с 1923 года). Портретист, театральный художник и декоратор, иллюстратор и оформитель книг. Писал традиционный русский быт. На его долю выпали горечь утраты, болезнь, две революции и гражданская война, не сломившие силу его духа.
Детство и юность

   Родился Борис Кустодиев в Астрахани 23 февраля (7 марта) 1878 года, в семье Михаила Кустодиева, профессора философии, истории литературы. Он работал преподавателем логики в духовной семинарии Астрахани. Отца не стало, когда Боре не исполнилось и двух лет. Мама замуж больше не вышла, сама растила четырех ребятишек, вышивала на заказ, соглашалась играть на рояле по праздникам для местной знати. Вначале Борис пошел в церковно-приходскую школу, потом поступил в гимназию. Впервые он увидел настоящую живопись в девятилетнем возрасте, когда в Астрахань приехали художники-передвижники. Мальчику так понравилось увиденное, что решил непременно научиться так же искусно изображать на полотне всё, что ему захочется.
   Матери было трудно найти нужную сумму для оплаты обучения Бориса рисованию. На помощь пришёл дядя – Степан Никольский. Именно благодаря его деньгам Боря смог учиться мастерству у Павла Власова, бывшего студента Академии художеств Петербурга. Власов напутствовал своего ученика, говорил, что если немного умеешь рисовать, то ты ничего не умеешь, что на искусство нужно не жалеть даже жизни. Он говорил, что если не знаком с анатомией человека, то даже не берись за написание обнаженной натуры. В одном из своих писем сестре Кустодиев писал, что уже целый месяц учится у Власова, и что наконец-то приступил к рисунку головы. Он сообщал, что до этого написал несколько орнаментов и частей тела, а теперь приступил к голове. За несколько дней до этого, Борис нарисовал две айвы и две морковки, и пребывал в полном восторге от своей акварели. Ему не верилось, что это дело его рук.
   В 1896-м, после окончания семинарии, Борис уехал в Москву, он хотел продолжить обучение в художественной школе, но получил отказ из-за возраста. Восемнадцатилетний парень не мог обучаться за одной партой с детьми. Тогда Борис предпринял еще одну попытку, но на этот раз в Петербурге, в Высшем художественном училище при Академии художеств. Каждый потенциальный студент предоставлял на суд приемной комиссии какую-нибудь свою работу. Он очень обрадовался, когда увидел на своем полотне надпись мелом – «принят». В годы учебы в училище художник очень много работал, писал портреты, живую натуру. Он учился у Ильи Репина, творчество которого любил с детских лет. А сам живописец не мог нарадоваться успехам своего ученика. Репин говорил, что возлагает на Бориса большие надежды.

Творческий путь

   В конце октября 1903 года Кустодиев окончил Академию художеств, получил золотую медаль, звание художника и право уехать в поездку на год за границу или по России. Еще до того, как окончить курс в Академии, картины Бориса выставлялись на международных выставках Петербурга и Мюнхена. Они отмечены большой золотой медалью Международной ассоциации.
   В декабре того же, 1903-го, живописец забрал жену с новорожденным сыном, и отправился в Париж. После этого его путь лежал в Германию, Италию, Испанию. Он учился на работах старых мастеров, копировал их. Поработал в студии Рене Менара. Спустя шесть месяцев Кустодиев вернулся на родину. Поселился в Костромской губернии, трудился над созданием серии картин «Деревенские праздники» и «Ярмарки». У семьи не было своего жилья, поэтому художник купил участок земли недалеко от Кинешмы, и собственноручно выстроил дом, получивший название «Терем». На протяжении десяти лет он жил с семьей в этом доме, и как потом признавался, они стали самым счастливым периодом его личной жизни. В это время художник начинает задумываться над собственным стилем в живописи. Ему не хотелось копировать репинский реализм, с его работой с натуры. Борис решил, что пришло время писать самостоятельно, именно так, как он видит русскую красоту. Живописцу нравились народные гулянья и ярмарки, его привлекали лубочные изображения.
   В 1904-м Кустодиев учредил Новое общество художников. Спустя год его серьезно увлекла графика, он устроился на работу в издания «Адская почта», «Жупел», «Искры», в качестве карикатуриста. Сделал иллюстрации к гоголевской «Шинели», которую напечатали в 1905-м. Одновременно с этим, художник нашёл себе ещё одну работу – помощника декоратора Мариинского театра Головина. Через четыре года (1909) живописец удостоился звания Академик живописи. Кандидатура Кустодиева утверждалась на Собрании Академии, и его представили именитые коллеги – Архип Куинджи, Илья Репин, Василий Матэ.
   Впервые проблемы с руками появились у Бориса в 1911 году. Боль была очень острой, беспокоила его достаточно долго, но доктора только разводили руками. Когда терпеть боль стало невыносимо, Кустодиев уехал на лечение к доктору Ролье (Швейцария). Чуть позже немецкий профессор Герман Оппенгейм сделал художнику операцию, и он вернулся домой.
   Боль в руке вернулась в 1916 году. Однако путь в Германию, к уже знакомому профессору Оппенгейму оказался закрыт, во всю бушевала Первая мировая. Пришлось решаться на операцию в Петербурге, очень тяжелую и ответственную. Доктора долго не могли прийти к выводу, что сохранять – руки или ноги, так как они гарантировали подвижность только одним конечностям. Этот вопрос доктор задал жене, и она, скрепя сердце, сказала, что он художник, и без рук ему никак нельзя.
В марте 1916 года, в письме Лужскому Борис написал, что лежит без движения тринадцать дней, а ему кажется, что прошло уже 13 лет. Борис говорил, что наступила передышка, а до этого он сильно страдал и мучился. Он понимал, что это не все, что впереди долгий курс реабилитации, после которого он, возможно, почувствует себя живым человеком. Доктора запрещали художнику прикасаться к работе, но он их не послушал. Находясь в инвалидной коляске, он переносил на холст идеи, посетившие его светлую голову, за месяцы вынужденного бездействия. В 1916-м он представил полотно «Масленица», получившее высокую оценку Репина. Эта картина выставлялась во время выставки «Мир искусства». Этот период стал самым плодотворным в его творческой биографии, Борис писал очень много, как никогда ранее. В 1915 году он закончил работу над портретом Александра Анисимова, в 1922-м – появился не менее знаменитый портрет известного певца Федора Шаляпина. Кустодиев параллельно писал «Русь ушедшую» и пропагандистские плакаты, трудился над созданием картины «Большевик» и обложки издания «Коммунистический интернационал».
   Кроме этого, Борис оформлял книги, календари, плакаты. Придумывал иллюстрации к «Сказкам Пушкина» и сборнику «Ленин и юные ленинцы», художественно оформлял революционные праздники и манифестации. С 1918-го по 1920-й годы Борис создавал декорации к опере «Царская невеста», которую ставили в Большом оперном театре Народного дома. Его кисти принадлежат и декорации оперы «Снегурочка», которая прошла с большим успехом в Большом театре, и «Вражьей силе», поставленной в Мариинке. В 1925-м МХАТ представил постановку Евгения Замятина «Блоха» с декорациями Кустодиева.
   В 1926 году Борис закончил «Русскую Венеру». Доктора рекомендовали  в работе ограничиться несколькими часами в день. Поэтому «Венера» создавалась почти целый год.

Семья

   Летом 1900-го года Борис отправился на этюды в деревню Калганово Костромской губернии. Там он и познакомился со своей будущей супругой, 19-летнюю девушку звали Юлия Прошинская. Девушка из приличной семьи, получила хорошее образование, любила поэзию, живопись, музыку. Поэтому стоит ли удивляться, что между ними сразу вспыхнула симпатия. 8 января 1903 года состоялось венчание Юлии Прошинской и Бориса Кустодиева. Для церемонии они выбрали небольшую церковь на Екатерининском канале. В октябре того же года жена родила художнику первенца, сына Кирилла, который продолжил дело отца и тоже стал живописцем. Спустя два года, в 1905-м, родилась дочка Ирина. В 1907-м семья пополнилась еще на одного человека – сына Игоря, но он прожил недолго, скончался от менингита в 11 месяцев. Супруга пережила Бориса на 15 лет, она умерла от голода зимой 1942 года во время блокады Ленинграда. Внучка Татьяна Кустодиева (дочь старшего сына Кирилла), работала искусствоведом, ведущим научным сотрудником в Отделе западноевропейского изобразительного искусства Эрмитажа. Ей принадлежит авторство «Каталога эрмитажной коллекции итальянской живописи 13-15 веков». Умерла в 2021 году.
   Состояние художника ухудшалось, и в феврале 1927-го Борис Кустодиев обратился с просьбой в Народный комитет просвещения, чтобы ему разрешили отправиться на лечение в Германию. Разрешение и субсидию от государства ему выдали спустя месяц, в марте, но Кустодиев так ими и не воспользовался. Загранпаспорт смогли подготовить только в начале июня, а художника не стало десятью днями ранее. Борис Кустодиев скончался 26 мая 1927 года, его похоронили в городе на Неве, на кладбище Александро-Невской лавры.

Лубочная живопись. Художник счастья

   Живопись Б.Кустодиева – гимн уходящей русской старине, той России, которой никогда  не было, но в воображении художника она была именно такой: яркой, цветастой, щедрой и уютной. На такую Россию Борис смотрит по-доброму, чуть с юмором и иронией, понимая, что это – всего лишь русская мечта о сытой счастливой жизни, мечта о молочных реках и кисельных берегах, материализовавшаяся в златокудрых, дородных и полногрудых русских красавицах, которые спят на перинах, нежатся в атласных подушках и укрываются пуховыми одеялами. В этой счастливой сказочной жизни царствуют безмятежность, покой и достаток: здесь пьют чай из богатых пузатых самоваров и позолоченных фарфоровых блюдец, одеваются в дорогие шубы и яркие нарядные платья, живут в мире и душевном согласии с собой, наслаждаясь маленьким семейным счастьем и уютом. Когда Кустодиев писал свою «Купчиху»,  на дворе стоял 1923 год, разруха, голод, а самого художника мучила смертельная болезнь. Но, именно тогда, ему больше всего хотелось говорить о радости жизни, о чуде, о красоте народной жизни, именно тогда были написаны лучшие его картины.
   Народ в представлении Б.М.Кустодиева – великий оптимист, в нем живет неистребимая потребность в радости.


Не знаю, удалось ли мне сделать
и выразить в моих вещах то,
что я хотел – любовь к жизни,
радость и бодрость, любовь
к своему русскому. Это было
всегда единственным "сюжетом"
моих картин.

Кустодиев Б.М.

*

Михаил Павлович Гуськов – поэт и писатель, журналист, лауреат Всесоюзных и Всероссийских телевизионных конкурсов песни "Песня Года", лауреат журналистского конкурса «За самый сенсационный материал года».


Есть три дороги Млечные:
Налево – скука ждет,
Направо – дрязги вечные,
А к счастью – лишь вперед!

Век золотой поэзии
Он тоже впереди...
Тогда вперед и с песнею
Смелей, поэт, иди!
© Михаил Гуськов

   Мельчайших, он повелитель, – историй, ангел-хранитель; Храбрый поэт славной Руси. А тексты его, при-ме-си.  Искусство, всё многогранно: луч света падает пьяно.
   Михаил Павлович Гуськов – писатель, поэт, журналист, профессиональный историк (по образованию – историк-архивист). Его исторические статьи, опубликованные в московской прессе, и многочисленные выступления вызывали и вызывают неизменный интерес. М. П. Гуськов  – автор сотен афоризмов, ёмких и метких по содержанию. Новатор, хороший организатор, мастер поэтического настроения, дарит людям азарт, движение мысли. С большим чувством юмора и понимаем людской психологии.
   Многие стихи написаны так, что разные люди находят в них разный смысл, созвучный своему восприятию мира. Это не значит, что один понял произведение-притчу правильно, а другой неправильно, все правы, сама суть таких стихов и прозы сводится у автора к тому, чтобы каждый нашёл в них свой смысл. Автор обращается непосредственно к своим читателям – предлагает, ободряет, но не настаивает.   
   Часть его поэзии – патриотические произведения, заставляющие чувствовать и думать. Есть и лирические тексты – легли в основу песенных хитов, автор – неоднократный Лауреат Песни Года. Александр Малинин впервые вышел на большую сцену с песнями на стихи М.П .Гуськова ("Коррида", "Белый конь"). Песни Гуськова были и есть в репертуарах Добрынина, Кадышевой, Азизы, Билль и других известных исполнителей советской и российской эстрады. Автор любит театр, живопись, жизнь, людей и их земные роли.
   В 1993 году Михаил Гуськов написал роман «Дочка людоеда или приключения Недобежкина»,  насыщенный яркими событиями и образами, где  упоминается и обыгрывается огромное количество сказок, пословиц и поговорок. Автор играет с читателем открыто и азартно. Роман интересно читать, если возникают конкретные ассоциации с ранее прочитанными художественными произведениями. С текстом произведения можно ознакомиться на авторской странице Михаила Гуськова сайта проза.ру: приключения скромного московского аспиранта Аркадия Недобежкина, нарушившего великую булгаковскую заповедь: «Никогда не разговаривайте с неизвестными». Герой романа не только заговорил, но и пригласил к себе домой совсем незнакомого старичка, а тот взял и скончался скоропостижно, но перед этим оставил ошалевшему аспиранту несметные сокровища и волшебный кнутик. Из-за этого пришлось Аркадию познакомиться с ведьмами, людоедами, упырями, а заодно и с родной милицией… После прочтения романа осталось ощущение незавершённости… Впрочем, это в репертуаре Гуськова и соответствует фамилии главного персонажа романа – Недобежкин, не достигшего своей жизненной цели.
   Михаил Павлович проживает в Москве, детство провёл в Колпашево – сибирском городе на высоком берегу Оби. Берега Оби, в отличие от многих других рек несимметричны: один обрывистый и крутой, другой низкий и пологий. Вода Оби на слиянии рек Катуни и Бии имеет интересный цвет, связанный с тем, что воды этих рек разного окраса: Катунь – зелень-бирюза, а Бия – белая. Творчеству Михаила Павловича свойственна несимметричность нашего мира и разный окрас.


Я – игрок и твердо знаю:
И дуря, и по уму,
Не проигрывать, играя,
Невозможно никому.

Не моё – впадать в истому,
Всем обидам в унисон;
Не читать мораль другому –
Для меня хороший тон.

Не люблю я шарить взглядом
И во всех искать врага,
Не хожу вокруг да рядом:
Бык – хватаю за рога!

Скромность – благо, а бравада
В нашей жизни ни к чему,
Мне учить других не надо -
Легче сделать самому!

А закончу ненатужно,
Фразой простенькой, друзья:
«Подметать, конечно, нужно,
Но и мусорить нельзя».

И последнее… Чем начал,
Тем закончу: я – игрок!
Я – как все, солдат удачи,
На Земле тяну свой срок!
© Михаил Гуськов


*
Михаил Гуськов. "Автопортрет". 2002 г.

*
Михаил Павлович  – автор по описанию домашних сцен, галантных празднеств собственных современников, заурядных и таких узнаваемых. Значительнее всего – обыденность. Лучшее в таланте М.П. Гуськова: умение понимать людей, любовь к театру, живописи, дар показать многое с той долей улыбки, которая напоминает читателю о том, что нет ничего однозначного в этом мире. М.П.Гуськов – разработчик особых стихотворных стилей, таких как «гусы», «русское фаду», «стиль Гусьвофф» и др., основоположник новой классификации стихов (чалмаз, чариды, суебыт и др.).


Это мир моей мечты!
Метасказ

Не смотри надменным взором
И с усмешкой на губах,
У меня есть мир, в котором
Я король, султан и шах.
Что дворцы земного мира:
Роскошь Лувра и Кремля? –
Здесь одна моя квартира
По размеру как Земля.

В звездном маршальском мундире
На комете мчусь верхом.
И ты тоже в этом мире –
Ты моя игрушка в нем,
Ты в моей мечте со мною,
Я тебя средь звезд кружу
И, то делаю рабою,
То в принцессы возношу!

Я султан здесь всемогущий,
Главный баловень судьбы,
Самый смелый, самый лучший,
А вы все – мои рабы!
Хочешь, сделаю царицей,
Чтоб сияла солнцем ты,
Как скажу, так и случится –
Это мир моей мечты!

Здесь я – главный, всё умею!
Мир создав из пустоты!
Здесь я – главный, всем владею –
Это мир моей мечты!

2009г.
© Михаил Гуськов


Сидел в Парижском Шант Эклере.
Лиаризм. Шедевр

Сидел в Парижском "Шант Эклере",
Тулуз писал с меня портрет,
Лотрек потягивал свой шерри,
Дега пел девочкам куплет.

Вам, если не были в Париже,
Значений этих не понять:
Сёра, Гоген  –  их буду ниже
Я поименно называть.

Я всех их знал, мы вместе пили,
Шалили, выйдя на Монмартр...
Какие дни мы проводили,
А ночи... Пусть вам скажет Сартр...

Теперь не то, сижу в "Савое",
Пью виски в баре "Эрмитаж",
Эх, жив бы был Франсиско Гойя,
Совсем другой бы был кураж!

А как он есть умел котлету,
Нож – в правой, левой - вилку взяв.
И после мчался в оперетту,
Еще кусок не прожевав.

О, где ж вы, други по Парижу,
И ты, Ван Гог – товарищ мой?
Увы, вас больше  не увижу,
Вы смыты времени волной...

2020г.
© Михаил Гуськов


Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек-Монфа (ноября 1864, Альби - 9 сентября 1901, замок Мальроме, Жиронда) – французский художник-постимпрессионист, граф и богатый наследник, любитель абсента, кабаре и притонов.
Особенности творчества художника Анри де Тулуз-Лотрека: художественный мир работ Тулуз-Лотрека, замкнутый, тесный, многолюдный, шумный, циничный, печальный и страстный, узнается безошибочно. Монмартрские звезды, певцы уличных песенок, танцовщицы кабаре, клоунессы, артисты цирка, проститутки, швеи, прачки, рыжие и белокожие. Тулуз-Лотрек, под влиянием японской гравюры, увлекается литографией – и создает рекламные плакаты для увеселительных заведений, впервые в западной истории доводя этот жанр до уровня произведения искусства. Артисты, для которых Лотрек рисовал и печатал плакаты, просыпались знаменитыми после ночной расклейки афиш в Париже.
Известные картины Анри де Тулуз-Лотрека: «Аристид Брюан в Амбассадоре», «Клоунесса Ша-Ю-Као», «Иветт Гильбер кланяется публике», «Танцы в Мулен-Руж», «Японский диван».


Эдгар Дега, полное имя Илер-Жермен-Эдгар де Га (19 июля 1834, Париж - 27 сентября 1917) – французский художник-импрессионист, один из основателей движения, принимавший участие в 7 из 8 выставок импрессионистов.
Особенности творчества художника Эдгара Дега: смещенные композиции, обрезанные краем полотна фигуры, неожиданные предметы, перерезающие и заслоняющие главных героев, как будто невзначай схваченные, репортажные моменты. Эдгар Дега во всех любимых сюжетах искал и писал прежде всего движение: моющиеся женщины, жокеи перед стартом, разминающиеся, почесывающиеся и поправляющие прически балерины заняты своей жизнью и не подозревают, что за ними наблюдают.
Известные картины Эдгара Дега: «Голубые танцовщицы», «Танцевальный класс», «Ванная», «Гладильщицы», «Оркестр оперы», «Наездники перед стартом».


Жорж-Пьер Сёра (2 декабря 1859 года, Париж - 29 марта 1891 года, Париж) – основатель неоимпрессионизма, французский художник, который ввел в живопись метод создания картин посредством нанесения на холст множества рядом расположенных точек чистых контрастных цветов (пуантилизм, или дивизионизм). Неоимпрессионизм оказал влияние на многих известных живописцев того времени.
Особенности творчества художника Жоржа Сёра: «точечный» метод создания картин, монументальность и вневременность его полотен, что кардинально отличает неоимпрессионизм от импрессионизма, призванного запечатлеть мгновение. У Сёра мгновение скорее становится вечностью. Научный подход к созданию картин, отрицающий ключевую роль художника, но провозглашающий основой живописи сформулированные им законы пуантилизма (по крайней мере, в теории - на практике заменить художника методом Сёра не смог). Работа в мастерской, а не на пленэре.
Известные картины Жоржа Сёра: «Воскресный день на острове Гранд-Жатт», «Купание в Аньере».


Поль Гоген (7 июня 1848, Париж, Франция - 8 мая 1903, Атуона, Французская Полинезия) – французский художник-постимпрессионист. Юность Гоген провел на кораблях торгового флота, путешествуя по всему миру. После этого он вернулся во Францию, женился и стал биржевым брокером. Спустя несколько лет Гоген вдруг начал рисовать, и в конце концов бросил работу, ушел из семьи и отправился жить на Таити, где написал самые знаменитые свои полотна. Но при жизни художник почти не получил признания, критики и журналисты высмеивали его работы. Последние годы жизни Гоген провел на Маркизских островах.
Особенности творчества художника Поля Гогена: ранние работы Гогена можно отнести к импрессионизму, позже он переходит к клуазонизму и синтетизму. В самых своих знаменитых таитянских полотнах он чаще всего использует очень яркие, чистые, иногда даже неестественные цвета. Героинями его картин становятся полуобнаженные туземные девушки в окружении деревенских хижин и тропических пейзажей.
Известные картины Поля Гогена: «Когда свадьба?», «Женщина с цветком», «Женщина, держащая плод», «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?», «Дух мертвых не дремлет», «Желтый Христос», «Куда ты идешь?».


Жан-Поль Шарль Эмар Сартр (21 июня 1905, Париж -15 апреля 1980, там же) – французский философ, представитель атеистического экзистенциализма (в 1952—1954 годах Сартр склонялся к марксизму, впрочем, и до этого позиционировал себя как человек левого толка), писатель, драматург и эссеист, педагог. Лауреат Нобелевской премии по литературе 1964 года, от которой отказался.


Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес (30 марта 1746, Фуэндетодес, близ Сарагосы - 16 апреля 1828, Бордо) – великий испанский художник и гравёр. Один из самых ярких мастеров романтического направления и искусстве.
Особенности живописи и графики Франсиско Гойи. Творчество Гойи сложно и глубоко противоречиво. Его экспрессивная манера, изображение разнообразных проявлений зла, насилия, образы несправедливости и страданий, несмотря на очевидную гротескность подачи, отражали реальные переживания лучшей части испанской национальной элиты, не способной вначале осуществить так необходимые Испании демократические преобразования, а затем – отстоять страну в период французской оккупации. Образы на картинах мастера часто аллегоричны и архетипичны: они опираются на глубочайшие слои народного сознания, используют народные сказания и легенды. Работам Франсиско Гойи нередко присущи отчаяние, разочарование, возможно, временами даже неверие, но иногда – и острое чувство радости жизни. В творчестве, как и в жизни, художник руководствовался высокими гуманистическими принципами. Помимо живописи, Франсиско Гойя достиг невиданных высот в графике, соединяющие техники офорта и акватинты (для этого художник покрывает металлическую пластину кислотоупорным лаком и процарапывает иглой в слое высохшего лака рисунок; следующий этап – погружение пластины в азотную кислоту; места, процарапанные иглой, протравливают кислотой, после чего заполняются краской и оттискиваются на бумагу на специальном станке).
Известные картины Франсиско Гойи: «Обнажённая Маха», «Король Испании Карл IV и его семья», «Расстрел повстанцев 3 мая 1808 года в Мадриде», «Похороны сардинки», «Сатурн, пожирающий своих детей», «Молочница из Бордо».

Винсент Виллем Ван Гог (30 марта 1853, Грот-Зюндерт, Нидерланды - 29 июля 1890, Овер-сюр-Уаз, Франция) – нидерландский художник-постимпрессионист, не получивший почти никакого специального образования, но за недолгие 10 лет своей творческой карьеры написавший огромное количество полотен, многие из которых стали признанными мировыми шедеврами живописи. Картины Ван Гога начали набирать популярность только после смерти художника, и сейчас входят в список самых дорогих полотен мира и выставляются на обозрение широкой публики на самых престижных выставках.
Особенности творчества художника Винсента Ван Гога: ранние работы относят к такому направлению живописи, как реализм. Они написаны в довольно мрачной цветовой гамме. Для цикла под названием «Головы крестьян» и первой своей значимой картины «Едоки картофеля» Ван Гог использует в основном землистые оттенки. Палитра художника меняется после переезда в Париж в 1886 году, его полотна насыщаются чистыми, яркими цветами. Собственный неповторимый стиль в творчестве Винсента Ван Гога выработался под влиянием одновременно такого направления живописи, как импрессионизм, и японских гравюр. В последние годы на картинах он чаще всего отдает предпочтение желтому и синему цветам.
Самые известные картины Винсента Ван Гога: «Звездная ночь», «Подсолнухи», «Портрет доктора Гаше», «Ирисы», «Портрет почтальона Жозефа Рулена», «Ночное кафе в Арле», «Автопортрет с перевязанным ухом и трубкой», «Спальня в Арле».
 
Анри де Тулуз-Лотрека. «Аристид Брюан в Амбассадоре», 1893

 

Аристид Брюан был владельцем кабаре «Мирлитон» на Монмартре, где Лотрек как раз и любил пропадать по ночам. Брюан прославился очень неожиданным, даже для него самого, талантом. Он, конечно, пел песенки, которые, без сомнения, были достаточно популярны. У него был низкий бархатный голос и внешность римского легионера, но не это влекло в «Мирлитон» толпы слушателей каждый вечер, а способность Брюана к остроумной и хлесткой брани. Это было неожиданно и пикантно – и толпы светских дам и богатых мужчин шли сюда каждый вечер, чтоб их как следует обругали. «Внимание! – встречал Брюан очередного посетителя. - Вот идет шлюха. Но не думайте, что это какая-нибудь завалявшаяся девка. Товар первого сорта!» или «Вас всего пятнадцать человек на скамье. Потеснитесь, черт побери, еще немножко! А ты, лунатик, садись-ка сюда со своими потаскушками!»
Уважение и восхищение Лотрека и Брюана было абсолютно взаимным, они оба ненавидели ханжество и все «приличное», ценили друг друга за острый взгляд и простоту формулировок. Когда Аристида Брюана пригласили дать концерт в кабаре «Амбассадор», он поставил условие, что афишу для него будет рисовать Тулуз-Лотрек. Когда хозяин «Амбассадора» захлебнулся возмущением, увидев свежеотпечатанный плакат, Брюан поставил условие: или с этой афишей или вообще никак. Хозяин кабаре сдался.
Используя жесткие рамки литографического способа печати, Лотрек создает свой уникальный стиль. Он смело использовал сочетание больших цветовых пятен, парадоксально выстраивал контраст первого и второго планов, создавая перспективу или приближая сцену вплотную к зрителю, он был гениальным рисовальщиком, способным при помощи нескольких лаконичных линий передать движение и эмоции. Наконец, Лотрек без конца экспериментировал: разбрызгивал краску на литографский камень при помощи щетки, посыпал изображение золотой пудрой.
 
Эдгар Дега. «Голубые танцовщицы».1898


Дега очень просил не говорить речей, когда он умрет. А если кому-то уж очень захочется, сказать что-то предельно простое. Например, «он очень любил рисовать». И это чистая правда. Если что-то и волновало Эдгара Дега по-настоящему и всю жизнь, то это поиски точного рисунка для передачи жеста и движения. Он искал странные ракурсы, сдвигал точку зрения, выстраивал своих моделей в жутко неудобные и вывернутые позы – чем сложнее была рисовальная задача, тем с большим азартом Дега за нее брался.
И, конечно, балет задавал рисовальщику Дега ребусы повышенной сложности: сложные позы, гибкие тела, заковыристые театральные перспективы, яркий свет и простор для выбора ракурса, с которого ни один художник еще никогда до этого не писал людей.
«Голубые танцовщицы» рисовались в то время, когда страдавший от отслоения сетчатки и прятавший глаза от солнечного света художник уже видел очень слабо. Пройдет еще 6 лет – и он прекратит писать совсем, будет наощупь лепить из воска, сминать и снова лепить все тех же танцовщиц в выдумано сложных позах и лошадей в движении.
Балерины и ученицы хореографических школ приходили к Эдгару Дега в мастерскую. Делая десятки этюдов, он собирает потом эти зарисовки в продуманную, математически точную и уравновешенную композицию. Любимый художником эффект случайного фотографического кадра на самом деле был результатом огромной предварительной работы и расчета. «Всему, что я делаю, - говорил Дега, - я научился у старых мастеров. Сам я не знаю ничего ни о вдохновении, ни о стихийности, ни о темпераменте».
Он никогда не писал прима-балерин и известных танцовщиц с громкими именами. Лица его балерин мало о чем говорили даже современникам художника – все они танцовщицы кордебалета или совсем еще юные ученицы, которым только предстоит выйти на сцену и которым совершенно не важно получить парадный портрет, водрузить его в гостиной и выслушивать нескончаемые комплименты.
Жорж Сёра. «Воскресный день на острове Гранд-Жатт».1886
Работа над этим огромным полотном заняла у Сёра два года. Художник наносит цвет в виде точек или пятен контрастных цветов, и это позволяет создать особенно яркий и светлый рисунок. От импрессионизма не осталось и следа, картина четко структурирована, композиция упорядочена и продуманна, фигуры кажутся монументальными. Они лишены индивидуальности, зато обладают вневременностью, вызывая мысль о древних фресках. Импрессионистическое мгновение у Сёра застыло и превратилось в вечность.
На Гранд-Жатт в воскресенье собирался высший свет. Также чрезвычайно ценили этот остров проститутки: в атмосфере расслабления и отдыха легко подыскивать себе клиентов. А светские франты, соответственно, легко находили себе девушек для развлечений. Гранд-Жатт даже называли островом любви. Контекст того времени сразу прояснял, что изобразил Сера. К примеру, девушку слева с удочкой в руках совсем не похожа на рыболова-любителя. Совсем иную рыбку она намерена поймать в этот выходной. Пара справа кажется респектабельными буржуа. А если приглядеться к тому, что на поводке у дамы вовсе не собака, а обезьянка? И если знать, что обезьяна считалась символом развратности, а на парижском жаргоне так именовали проституток? Пожалуй, респектабельная пара предстает в ином свете. Сзади мы видим обнимающуюся парочку, но в свете прочих открытий немного шансов поверить, что это молодые влюбленные.
В центре картины маленькая девочка в белом за руку с матерью или няней. Как обычно, Сёра не прописывает детали. «Художник должен научиться изображать не предмет, а сущность предмета. Когда он пишет лошадь, это должна быть не та конкретная лошадь, которую вы можете опознать на улице. Камера создает фотографию; нам же следует идти гораздо дальше», – декларировал свой подход Сёра. Девочка в белом воплощает юность, чистоту. Но помещенная в эту среду, она вызывает тревогу о своем будущем.
Вон чуть дальше ребенок постарше, прыгающая девочка. Почти рядом с казавшейся респектабельной парой – юная девушка, склонившаяся над букетом цветов. Кем может стать здесь малышка в белом платье? Что предстоит всем этим девочкам и девушкам? Отправятся ли они «ловить рыбу» на Гранд-Жатт? Кажется, девочка в белом – единственная смотрит прямо в лицо зрителям, словно ждет ответа на этот вопрос.

Поль Гоген. «Когда свадьба?» 1892

 
Гоген, который прославился (спустя годы после своей смерти) благодаря изображению прекрасных юных таитянок, создал для современников и поклонников его искусства романтический образ райского острова. Если верить его картинам, на Таити только и делали, что нежились под лучами солнца, наслаждались сладкими фруктами и предавались любви. На самом деле Таити был весьма далек от идеала и в конце XIX века, когда туда приехал Гоген. Конечно, не без романтического флера. Вот только молоденькие девушки, манившие художника своей экзотической красотой, меняли любовников-колонистов, как перчатки, постоянно требуя от них денег и подарков, и вдобавок награждая «французской болезнью».
Была ли такой главная героиня этого полотна? Девушка в традиционном таитянском наряде словно застыла в ожидании, к чему-то прислушиваясь. В её волосы над ухом вставлен цветок. Согласно местным традициям, таким образом юная таитянка дает понять, что находится в поисках мужа. Гораздо большего внимания заслуживает вторая героиня картины, которая очень отличается от девушки на переднем плане. Она одета в европейское розовое платье (единственный элемент на полотне такого цвета), а строгие и настороженные черты лица прописаны куда более тщательно. Поза девушки и её пальцы, сложенные в подобие ритуальной мудры, отсылают нас (по мнению некоторых исследователей творчества Гогена) к буддийскому искусству. Можно предположить, что она здесь играет роль некоего защитника, оберегающего и предостерегающего юную подругу от опрометчивого поступка.
 
У человека в душе дыра размером с Бога, и каждый заполняет её, как может.


Ад - это другие люди!


Мои воспоминания – словно золотые в кошельке, подаренном дьяволом: откроешь его, а там сухие листья.


Смысла жизни не существует, мне придётся самому создавать его!


Мир прекрасно обошёлся бы без литературы; ещё лучше он обошёлся бы без человека.


Для того, чтобы сочувствовать чужому страданию, достаточно быть человеком, но для того, чтобы сочувствовать чужой радости, нужно быть ангелом...


Достаточно, чтобы один человек ненавидел другого, – и ненависть переходя от соседа к соседу, заражает всё человечество.


Жан-Поль Сартр


Франсиско Гойя. «Обнаженная Маха». XIX век





«Он, Гойя, изобразил в этой раздетой и одетой, но все равно обнаженной женщине всех женщин, с которыми когда-либо спал в постели или в закуте. Он изобразил тело, зовущее ко всяческим наслаждениям. И при этом два лица: одно – исполненное ожидания и похоти, застывшее от вожделения, с жестоким, манящим, опасным взглядом; другое – немного сонное, медленно пробуждающееся после утоленной страсти и уже алчущее новых услад».

Лион Фейхтвангер. «Гойя или Тяжкий путь познания»

Винсент Ван Гог. «Звездная ночь». 1889
Начало 1889 года было для Винсента очень тяжелым. Он остался в одиночестве после отъезда Гогена, был, как обычно, стеснен в средствах, не мог писать. В конце концов, художник утвердился в мысли, что ему необходимо психиатрическое лечение. Брат Тео помог Винсенту перебраться в лечебницу при монастыре Сен-Поль-де-Мозоль вблизи города Сен-Реми-де-Франс. Лечение было гуманным и щадящим, Винсенту позволяли рисовать и отпускали на прогулки. Но нередко во время работы его заставали припадки, во время которых он терял сознание. «Звездная ночь» изображает вид из окна комнаты Ван Гога в Сен-Реми. Принято считать, что она является редким исключением в творчестве художника, поскольку он писал ее по памяти. На самом же деле в темное время суток он делал наброски чернилами и углем на бумаге, а днем переносил изображение на холст в специально оборудованной для него маленькой студии. Вряд ли Винсент сам осознавал ценность этого полотна, поскольку практически не упоминал о нем в письмах брату. Поднять голову и увидеть «дышащее» летнее ночное небо способны многие, но именно Ван Гогу удалось первым оживить это небо на холсте.
 
Винсент Ван Гог. «Подсолнухи». 1888

Источники информации

Антуан Ватто

Википедия. Ватто, Антуан https://ru.wikipedia.org/wiki/Ватто,_Антуан
Культурология. Короткая жизнь и ошеломительная слава «художника галантных празднеств» Антуана Ватто https://kulturologia.ru/blogs/310120/45346/
Герман Михаил Юрьевич "Антуан Ватто"  https://biography.wikireading.ru/224410
Анна Вчерашняя "Антуан Ватто"  https://artchive.ru/antoinewatteau
Михаил Гуськов "Метасказ - что это такое?" http://stihi.ru/2021/09/15/4537
Михаил Гуськов "Я - как художник Ватто. Метасказ"  http://stihi.ru/2019/12/03/2661
Наталья Щербакова  "Маскарады Жана Антуана Ватто"  Михаил Гуськов  "Постаревший Пьеро"   http://stihi.ru/2015/03/01/164
Михаил Гуськов  "Арлекин и Пьеро"   http://stihi.ru/2018/07/10/3393
Михаил Гуськов  "Что такое - чарИда?"  http://stihi.ru/2022/02/03/5943
Михаил гуськов  "Любовники. Сюжеты NN 1-3"  "Любовники. Сюжеты NN 1-3" http://stihi.ru/2018/07/20/4523
Жан Антуан Ватто. Галантный Арлекин и Коломбина — Жан Антуан Ватто 
Павел Федоров

Википедия. Федотов, Павел Андреевич https://ru.wikipedia.org/wiki/Федотов,_Павел_Андреевич
Анна Вчерашняя "Павел Андреевич Федотов"  https://artchive.ru/pavelfedotov
Федотов Павел Андреевич. Сватовство майора  Федотов Павел Андреевич.Офицер и денщик  http://www.artsait.ru/foto.php?art=f
Федотов Павел Андреевич. Свежий кавалер. Утро чиновника, получившего первый крестик https://ru.wikipedia.org/wiki/Свежий_кавалер
Михаил Гуськов "Памяти великого русского художника Федотова"  http://stihi.ru/2022/07/25/2734
Садовники – Федотов - https://ru.wikisource.org/wiki/Садовники_(Федотов)

Борис Кустодиев

Википедия. Кустодиев, Борис Михайлович  https://ru.wikipedia.org/wiki/Кустодиев,_Борис_Михайлович
Борис Михайлович Кустодиев. Биография https://biographe.ru/znamenitosti/boris-kustodiev
Кустодиев Боpис Михайлович. Сайт о жизни и творчестве художника. http://kustodiev-art.ru/bio/
Блок Тины Гай "Борис КУстолиаев"  http://sotvori-sebia-sam.ru/boris-kustodiev/
Михаил Гуськов "Отдыхает пусть Кустодиев"  http://stihi.ru/2010/11/23/12

Михаил Гуськов

Михаил Гуськов  http://stihi.ru/avtor/uluba
Михаил Гуськов. Моё Колпашево. http://stihi.ru/2012/12/28/130
Михаил Гуськов. Юрмала-88 и Юрмала-89. История двух моих песен http://stihi.ru/2013/08/16/8377
Михаил Гуськов. Классификация стихов Михаила Гуськова.  http://stihi.ru/2021/08/28/6502
С. С. Гуськова. Дорога жизни. 1907-1978 – мемуары https://proza.ru/2021/05/06/860
Михаил Гуськов. "Автопортрет". http://stihi.ru/2013/06/29/167
Михаил Гуськов "Сидел в Парижском Шант Эклере. Лиаризм.
Шедевр" http://stihi.ru/2020/02/06/7255
Михаил Гуськов "Это мир моей мечты! Метасказ"  http://stihi.ru/2016/02/19/252
Список рисунков Михаила Гуськова   http://stihi.ru/2019/05/26/2363

Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек-Монфа https://artchive.ru/henritoulouselautrec/biography
Эдгар Дега  https://artchive.ru/edgardegas https://artchive.ru/henritoulouselautrec
Жорж-Пьер Сёра  https://artchive.ru/georgesseurat
Поль Гоген https://artchive.ru/paulgauguin
Жан-Поль Шарль Эмар Сартр https://ru.wikipedia.org/wiki/Сартр,_Жан-Поль
Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес https://artchive.ru/franciscogoya
Винсент Виллем Ван Гог https://artchive.ru/vincentvangoghе
Анри де Тулуз-Лотрека. «Аристид Брюан в Амбассадоре»  Эдгара Дега. «Голубые танцовщицы» Жорж Сёра: «Воскресный день на острове Поль Гоген. «Когда свадьба?» https://artchive.ru/paulgauguin/works/4093~Kogda_svad'ba
Франсиско Гойя. «Обнаженная Маха» Винсент Ван Гог. «Звездная ночь». https://artchive.ru/vincentvangogh/works/4421~Zvezdnaja_noch'