часть вторая. Итальянцы в джазе...

Продолжим рассказ о звездах мирового джаза с итальянскими корнями, начатый здесь.


Стефан Граппелли


Стефан Граппелли (1908 – 1997) - выдающийся джазовый скрипач, во многом способствовавший признанию скрипки в качестве полноправного джазового инструмента.

Родился в Париже во франко-итальянской семье. Мать Стефано (именно под таким именем крестили будущего музыканта) умерла, когда мальчику было 4 года, отец же, будучи гражданином Италии, был призван на поля сражений с началом Первой мировой. Работая журналистом, Граппелли-старший написал однажды статью про Айседору Дункан и теперь обратился к ней с просьбой позаботиться о сыне, так в 6 лет маленький Стефано оказался в танцевальной ее школе. Именно там он познакомился и полюбил творчество французских музыкальных импрессионистов. Когда Дункан пришлось покинуть страну, Стефано отдали в католический сиротский приют, где он жил впроголодь. К счастью, отец выжил и вернулся домой, но проникся после вынужденного участия в войне отвращением ко всему итальянскому. В 1919 г. он обратился в мэрию, взяв двух случайных свидетелей прямо с улицы, и переписал гражданство сына на французское. Имя ему тоже сменили на французский лад.

Мальчик начал играть на скрипке в 12 лет, когда отец купил ему подержанный инструмент, заложив свой костюм. Он записал сына на частные уроки музыки, но Стефану больше нравилось обучаться самостоятельно. Освоил он также и фортепиано.

В 1920-23 гг. Граппелли изучал теорию музыки в Парижской консерватории. Во время учебы продолжал играть на улице, работал тапёром, научился играть на саксофоне и аккордеоне.

«В кино, - говорил он, - мне приходилось играть преимущественно Моцарта, но иногда, для комедий, позволялось добавить немного Гершвина. Потом я открыл джаз и свое призвание и послал Амадею прощальный поцелуй».

Слушая джазовые пластинки, начал импровизировать, копируя фразы Луи Армстронга, Бикса Байдербека и Арта Тэйтума. «Тэйтум был моим богом, — сказал он много лет спустя, — я хотел играть на скрипке, как он на рояле».

В 1934 г. вместе с Джанго Рейнхардтом организовал знаменитый квинтет, «Quintette du Hot Club de France» — первый европейский джазовый ансамбль, добившийся широкого признания. Квинтет распался в 1939 г., и Граппелли, записав несколько пластинок с американскими музыкантами (Эдди Саут, Билл Коулмен), уехал в Лондон, где оставался до 1946 г., выступая в ночных клубах. Вернувшись в Париж, некоторое время вновь сотрудничал с Джанго Рейнхардтом. Впоследствии постоянно играл в парижском клубе St. Germain des Pres.

В 50–70-е годы Граппелли вновь был востребован на джазовую сцену, он записывал пластинки с различными джазменами, включая Дюка Эллингтона и Оскара Питерсона.

В 1975 г. Граппелли, случайно оказавшись в одной студии с музыкантами Pink Floyd, записал несколько скрипичных пассажей для композиции «Shine On You Crazy Diamond» для альбома Wish You Were Here. Однако в окончательную версию сведения скрипка не попала. 4 ноября 2011 г. названная запись вышла в специальном издании альбома Wish You Were Here - Experience Version, в рамках кампании «Why Pink Floyd?».

Когда на 85-й день рождения его спросили, не планирует ли он уйти на пенсию с музыкальной сцены, Граппелли ответил: «Пенсия! Ни одно слово не причиняет такой боли моим ушам. Музыка поддерживает меня. Она дала мне всё. Это мой источник юности».

Полный альбом на YT «Young Django»
Полный альбом на YT «Sound of Jazz»

Школа бибопа также имела своих итальянских последователей.


Бадди Де Франко


Бонифаций (Бонифейс) Фердинанд Леонардо «Бадди» Де Франко (р. 1923 г.) - кларнетист, руководитель оркестра, первый исполнитель бибопа на кларнете.

Отец Де Франко был настройщиком фортепиано, благодаря чему Бадди начал заниматься музыкой очень рано.

Родители изначально настаивали, чтобы мальчик из итальянской семьи играл на мандолине. Но в 12 лет он перешел на кларнет и через два года занял первое место на любительском конкурсе, организованным Томми Дорси.

В 16 лет (1939 г.) Де Франко приняли в оркестр Скэта Дэвиса, в котором он проиграл до 1940 г.. Позже он играл во многих ведущих свинговых оркестрах, в том числе у Джина Крупы, Теда Фио Рито, Чарли Барнета и Томми Дорси.

В 1950 г. Де Франко становится членом септета знаменитого Каунта Бейси. А уже в 1951-м создаёт собственный биг-бэнд, который, впрочем, просуществовал недолго. Зато с малым коллективом, квартетом, вышло несколько удачнее, с этим ансамблем он гастролировал в Европе в 1953-54 гг.. До конца 50-х годов Де Франко возглавлял различные джаз-бэнды.

Во 2-й половине 60-х годов сотрудничал с различными оркестрами как солист-фрилансер, выступал на джаз-фестивалях. Он также выступал с Джином Крупа, Чарли Барнетом, Артом Тейтумом, Оскаром Питерсоном и многими другими, выпустил десятки альбомов как лидер.

С 1966 г. Де Франко работал в мемориальном биг-бэнде Glenn Miller Orchestra, с которым совершил ряд турне. После продолжительного периода деятельности в коммерциализированной сфере вернулся на джазовую сцену.

С первых же шагов в джазе он утвердил себя как высокоодаренный инструменталист-виртуоз, первоклассный солист-импровизатор. Признан одним из ведущих свинговых кларнетистов.

По уровню исполнительской техники Бадди Де Франко конкурировал с Бенни Гудменом (испытал его влияние на раннем этапе). С наступлением эры бибопа примкнул к школе Чарли Паркера / Диззи Гиллеспи.
Бадди зарекомендовал себя как стилист-новатор, активно участвовал в экспериментах боперов. Де Франко стал основоположником современного стиля игры на кларнете и сохранил ему верность с закатом свинга; открыл новые возможности его использования в модерн-джазе.

Будучи мастером кларнета, Де Франко создал ярко индивидуальную исполнительскую манеру, культивировал ясный, прозрачный (без тембровых модуляций) звук, фразировку паркеровского типа.
Джазовый экспериментатор Бадди Де Франко всегда старался сблизить джаз с академической музыкой. Считается, что он предвосхитил некоторые тенденции развития кул-джаза и «третьего течения». В литературе о джазе Бадди нередко именуется «Паркером кларнета».

Ленни Тристано


Леонард Джозеф Тристано (1919 – 1978) – теоретик-гуру, концептуально мыслящий пианист. Критики говорили, что он опередил, предвосхитил нововведения в импровизационной музыке в самых популярных стилях, в том числе с начала би-бопа, кула и фри-джаза, заботливо украсив их своими необычными ритмическими почерками и оригинальными приемами коллективной импровизации.

Сначала его музыкальным образованием занималась мать, а затем, когда в 10–летнем возрасте Ленни потерял зрение, он продолжил свои занятия на фортепиано в школе–интернате для слепых детей. Там он одновременно играет на различных инструментах и дирижирует школьным оркестром. В возрасте 19 лет Тристано поступает в Американскую консерваторию в Чикаго. Длительность учебы там составляла четыре года, но ему хватило и двух лет, чтобы получить степень бакалавра музыки. После окончания консерватории он играет параллельно в различных танцевальных оркестрах, не забывая свою большую любовь — джаз. Отдавая предпочтение как пианисту Арту Тэйтуму (которого впоследствии сменил в его пантеоне Эрл Хайнс), Ленни Тристано просто обожал Луи Армстронга, Флетчера Хендерсона, Роя Элдриджа, Лестера Янга, Чарли Паркера и Бада Пауэла.

«Я слушаю исполнителей, которые играют джаз, потому что люблю джаз. Но я всегда чувствую, что мне необходимо изменить в моей собственной манере. И думаю, это важно для того, чтобы я мог себя выразить. Я не люблю играть, как кто–либо, подражать кому бы то ни было, но, даже будучи индивидуальным, вовсе не хочу быть историей с большой буквы и ни на что не претендую».

В 1943 году Ленни Тристано устраивается работать преподавателем в «Christiansen School Of Music» и одновременно организует диксиленд, с помощью которого начинает уже серьезные эксперименты. В это же время он вынужден подрабатывать аккомпаниатором в кабаре. Журнал «Metronome» писал в те годы: «Ленни Тристано — это гид и духовный наставник всех тех, кого Чикаго считает музыкантами–авангардистами».

Вскоре пианист знакомится со знаменитым бэнд–лидером Вуди Германом, который, просмотрев партитуры Тристано, настоятельно рекомендует пианисту остаться в Нью–Йорке. В тех своих работах Ленни делает в каждом соло четыре фазы, способствующие раскрытию тематики, исполненной парафразами стандартов. Пример тому тема «This Is Called Love». Здесь он играет в двух тональностях (а немного позже переходит уже к полной атональности). Его фразировка отрывиста и точна, две руки остро ведут основную линию, в которой чередуются бесконечные мелодические ходы и наложенные аккорды.

В период с 1946 по 1950 год Ленни Тристано входит в наиболее бурную, богатую событиями часть своего творческого пути. В 1946 году «Metronome» признает его музыкантом года. Тогда же состоялись многочисленные записи в квартете с гитаристом Билли Бауэром и ритм–секцией, обновляемой каждый раз. Кстати, основное требование Тристано к ритм–секции было таким: «Я хочу, чтобы темп был текучим, и чтобы музыканты не меняли ритм резко, не ломали его фигурами, находящимися полностью за пределами контекста; а также мне важно, чтобы они чувствовали необходимость комбинаций темпа и были способны чувствовать в то же время размеры 3/4 и 4/4. Нужно, чтобы ритм–группа была чувствительна к различной интенсивности». И надо сказать, что мало кто признавал себя способным решать такие задачи.

В 1947 году состоялась первая совместная запись Тристано и Чарли Паркера. Это произошло в радиопередаче в прямом эфире. Впоследствии они неоднократно встречались, работали над различными проектами.

Ведя уединенную, почти затворническую жизнь, Ленни Тристано не переставал заниматься преподаванием. Он часто повторял: «Смысл моей деятельности состоит в том, чтобы помочь моим ученикам создавать «спонтанную» музыку, будучи при этом как можно более независимыми. Мне не нужны последователи, я не хочу, чтобы меня рассматривали как мессию». Тристано воспитал плеяду великолепных инструменталистов.

Полный альбом на YT «Lennie Tristano & Warne Marsh ;- Intuition»
Альбом на YT «Solo Piano»


Мишель Петруччани

Мишель Петруччани (1962 – 1999) считается одним из лучших джазовых пианистов всех времен. Его собственный стиль сформировался под влиянием Билла Эванса, хотя некоторые сравнивают его творчество с творчеством Кита Джаррета.

Петруччани родился в итало-французской семье. Его отец Тони играл на гитаре и держал магазин музыкальных инструментов. Мишель родился с несовершенным остеогенезом — тяжёлым генетическим заболеванием, приводящем к ломкости костей и, в его случае, к невысокому росту и искривлению позвоночника. В начале карьеры отец и брат Мишеля в прямом смысле носили его на руках, так как он не мог самостоятельно ходить на большие расстояния. К счастью руки его были крепкими и сильными, что позволяло мальчику проводить за инструментом по 8 часов в день.

В 4 года Мишель увидел по телевизору выступление Дюка Эллингтона. «Я хочу играть на этом». - сказал он, указывая на пианино. На ближайшее Рождество родители подарили ему детское пианино. Однако сын потребовал настоящий инструмент, а подарок быстро разнес молотком на кусочки. Видя серьезность намерений, отец купил ему старое пианино, переделав его так, чтобы мальчик мог доставать до педалей. 8 лет мальчик занимался добросовестно и неотступно, изучая классический репертуар. Однако главным его интересом оставался джаз.

К 9-ти годам он прекрасно владел клавишными инструментами (примечательно, что письмом и чтением овладел позже умения хорошо играть на пианино) и стал помогать отцу в магазине в качестве инструменталиста-демонстратора. Однажды в магазин вошла некая дама и, услышав игру Мишеля на органе, пожелала приобрести такой же инструмент для своего сына. Пару дней спустя они вернулась в магазин и пыталась призвать к ответу продавцов. Дескать, ей продали неисправный орган, т.к. ее отпрыск такого же возраста, как и Мишель, никак не мог извлечь из инструмента такие же чарующие звуки. Петруччани-старшему пришлось потратить немало времени, чтобы убедить даму в том, что дело вовсе не в органе, а в уникальных способностях его сына.

Началась карьера Петруччани рано: в 13 лет он выступал как профессионал на французском джазовом фестивале «Cliousclat Festival». Здесь он познакомился с известным трубачом Кларком Тэрри. Тому нужен был пианист, и Мишель предложил свои услуги. «Сыграй-ка мне блюз», - скептически глядя на мальчика, сказал музыкант. Но через минуту они играли уже вместе.
К 15 годам Мишель Петручиани был уже вполне известным исполнителем у себя на родине. Он принимал участие в национальных джазовых фестивалях, играя вместе с прославленными джазовыми исполнителями, а также выпустил свою первую пластинку.

Вскоре юный пианист предпринял путешествие в США. Там в 1982 г. он встретился с известным джазовым саксофонистом Чарльзом Ллойдом. К тому времени Ллойд уже завершил карьеру, однако талант Периуччани так потряс его, что он увидел в этой встрече знак Провидения и решил продолжить выступать вместе с Мишелем, чтобы показать миру его дарование.

Благодаря знакомству с Ллойдом карьера Петруччани стала стремительно развиваться. В 1984 г. он перебрался в Нью-Йорк, где организовал собственное трио и с успехом выступал на лучших джазовых площадках. С 1986 по 1994 гг. выпустил 7 дисков. Многие произведения на этих пластинках были записаны с известными джазменами. Параллельно Петруччиани вел активную концертную деятельность.

«Я твердо убежден, - говорил Петруччани, - что пианист не достигнет совершенства, пока не научится играть самостоятельно, без сопровождения. [В период серии сольных концертов] я замечательно провел время, играя в одиночестве, открывая что-то в рояле и обучаясь чему-то буквально каждый вечер. Я чувствовал, что узнаю столько всего об инструменте и общении с аудиторией напрямую. Невероятный опыт. Мне чрезвычайно понравилось, а после этого снова выходить на сцену с группой и играть с другими людьми было так легко и просто!»

В конце 1998 г. был выпущен один из лучших альбомов Петруччани «Solo Live», составленный из наиболее интересных композиций последних лет как собственного сочинения, так и из классического джазового репертуара. Это был словно подарок к его дню рождения – 28 декабря 1998 года Мишелю исполнилось 36 лет. В планах уже стояли 5 концертов в родной Франции в январе, а в марте парижская «Олимпия» ждала его выступлений. Еще он мечтал об учреждении во Франции международной школы джаза, чувствуя, что джаз переживает кризис как в исполнителях, так и в композиторах. К сожалению, всем этим планам не суждено было реализоваться. 6 января 1999 года Мишеля Петруччани не стало.

Главным в музыке для Петруччани была эмоциональная сторона. Он говорил: «Моя философия достаточно проста: чрезмерная интеллектуализация в музыке скучна, как и пресыщение ее безудержным весельем. Когда чего-то много, всегда становится скучно. Нам всем следует чувствовать, когда следует вовремя остановиться».

К счастью, на YT есть много сборок с концертов Петруччани.

Присутствуют итальянцы на международной джазовой сцене и сегодня.

Эл Ди Меола

Альберт Лоренс Димеола (р.1954 г.) - джазовый гитарист, один из наиболее уважаемых и влиятельных в мире. Говорят, что в Ди Меоле уживаются как бы два гитариста одновременно: один – невероятно техничный и изобретательный исполнитель фьюжн на электрогитаре, другой – вдумчивый исследователь музыкальных культур других стран (в первую очередь фламенко и современного танго), виртуоз гитары акустической.

Музыкой увлекся с самого детства, благодаря пластинкам The Ventures, Битлз и Элвиса Пресли. Первым инструментом маленького Эла стали барабаны. По словам самого Ди Меолы, именно к этому раннему периоду восходит его техника глушения струн: «Я люблю играть четко, как на ударных в детстве. Мне очень нравится четкий звук».

Он участвует в школьной самодеятельности и к восьми годам, решив, что ударные – не его, берет в руки гитару. За пару лет научился очень прилично играть, но в местную музыкальную тусовку его не принимали: «Меня не хотели брать ни в одну группу, говорили, что не подхожу по стандарту, стилю и все такое прочее».

Но первый учитель Эла Боб Асланян был прекрасным джазовым музыкантом. Он познакомил его с основами джаза, босса-новой и немного с классикой. Огромное влияние на Ди Меолу оказали эксперименты на стыке рока и джаза, музыка, которую позже назовут «фьюжн».

В старших классах школы Ди Меола продолжает заниматься по 8-10 часов в день и в результате добивается прекрасной техники. «Я пытался найти себя, или найти такой стиль музыки, который подходил бы моей манере игры, я вырос на рок-музыке и любил ее, но рок слишком ограничен для развития исполнителя. Тогда я начал слушать блюграсс, особенно Дока Уотсона, и это очень помогло развить мне скорость. […] Я хотел делать что-то новое, то, что до меня еще никто не делал».

В 1971 году Эл успешно сдает экзамены в Berklee School of Music в Бостоне. Во втором семестре он уже вовсю играет во фьюжн-квартете. Группа успешно гастролирует и получает восторженные отклики прессы и публики. Однажды во время репетиции была сделана запись, которую вскоре услышал Чик Кориа и пригласил Ди Меолу на прослушивание.

После репетиций на выходных с группой Чика «Return To Forever» Эл дебютировал в Карнеги Холле, а на следующий вечер выступал перед сорокатысячной аудиторией в Атланте. Специалисты были не очень довольны игрой юного Ди Меолы, упрекая его в том, что он изливает на слушателя лавину нот в ущерб выразительности исполнения, однако эти недостатки он быстро преодолевает. Ему было 19 лет, и его звезда быстро восходила.

В 1976 г. группа заявляет о распаде и тем самым дает старт сольной карьере Эла.

«…Мне казалось, что к электрогитаре относились только как к роковому инструменту – со звуком циркулярной пилы. Я же хотел, чтобы электрогитару считали красивым, элегантным инструментом».

Не обошлось и без влияния Италии непосредственно на музыку Ди Меолы ;)

«Однажды во время гастролей с «Return To Forever» в Италии в городе Портофино мы останавливались в гостинице Hotel Splendido. Я не забыл это название и уже тогда подумал, что это хорошее название для моего будущего альбома. Мне всегда казалось, что хорошие отели – прекрасные романтические места. Они вдохновляют на сочинение музыки, и там такие таинственные окрестности, столько всего происходит. Люди встречаются друг с другом. Поэтому я решил назвать альбом Splendido Hotel».

«Музыка Астора Пьяццоллы занимает всю мою душу, потому что она завораживающая, и я каждый раз открываю в ней что-то новое. Мы были большими друзьями с Астором, и он, можно сказать, мой музыкальный крестный отец. Корни танго из Италии, из Неаполя, где жили предки Пьяццоллы. И танго как бы повторяет все каноны оперной музыки в сжатой форме».


Чик Кориа

Армандо Энтони Кориа (р.1941 г.) - одна из наиболее знаковых фигур среди джазменов последних десятилетий. Никогда не удовлетворяясь достигнутыми результатами, Кориа всегда всецело увлечен сразу несколькими музыкальными проектами, и его музыкальная любознательность никогда не знает предела. Виртуозный пианист, Кориа - также и один из немногих электро-клавишников, имеющих оригинальный и узнаваемый стиль исполнения. Помимо этого, он - автор нескольких классических джазовых стандартов, таких как «Spain», «La Fiesta» и «Windows».

Весь мир знает его по прозвищу, превратившемуся в подлинное имя - Чик. По одной из версий, он обязан своим новым крещением тете: она любила потрепать племянника по пухлой детской щечке (cheek), приговаривая: "Cheeky!", что позже и трансформировалось в Chick.

Маленький Чик был с детства окружен музыкой. Его отец играл на трубе в диксилендовых составах, но слушать любил самую разную музыку. Наряду с классиками бопа - Гиллеспи, Паркером, Пауэллом - в доме постоянно звучали и классики иные: Моцарт, Бетховен. К некоторым из этих, запомнившихся с детства, имен Кориа будет обращаться в своем творчестве много позже. А пока он уже с четырех лет за роялем, музыка, очевидно благодаря влиянию отца, стала для него любовью с первого взгляда. Чик вспоминал: «Когда я пошел в школу, появились вещи, которыми я обязан был заниматься, но музыка не была обязанностью, я любил ею заниматься всегда». Главным и почти единственным методом изучения музыки для него стало самообразование. И вот в этом он напоминает скорее джазменов начала века, чем музыкантов своего поколения.

Окончив школу в Челси, поднаторев в музыкальных «халтурах» городского масштаба, в 1959 г. юный Чик отправляется покорять Нью-Йорк. Он поступает в престижный Колумбийский университет, но бросает учебу уже через месяц. Кориа тщательно готовится ко второй попытке: десять месяцев он по восемь часов сидит за роялем, поступает в знаменитую музыкальную Джульярд-скул, но и здесь его хватает только на два месяца. Новых проб он уже не делал.

Серьезный музыкальный опыт он приобрёл, играя в составе оркестров Монго Сантамария и Вилли Бобо,Блу Митчела, Херби Мэнна и Стэна Гетца. Его дебютной записью в качестве лидера группы был альбом «Tones for Joan's Bones» в 1966 г., а альбом «Now He Sings, Now He Sobs», записанный в составе трио с Мирославом Витусом и Роем Хейнсом в 1968 г., расценивается музыкальными критиками как мировая джазовая классика.

После короткого периода работы с Сарой Вон, Кориа присоединился к Майлзу Дэвису, заменив в оркестре Хэнкока, и оставался с Майлзом в течение очень важного переходного периода 1968-70 гг..

В составе группы «Circle» он начал играть авангардный акустический джаз после того, как ушел от Дэвиса. Это был очень «высоколобый» фри-джаз, рояль Чика взаимодействует с другими инструментами на уровне почти нематериальном, это музыка для посвященных, которая будто пришла прямиком из Касталии Германа Гессе. Практически одновременно Чик работает и над сольными проектами. И это уже совсем иной Кориа, лирик и мечтатель, чрезвычайно тепло принятый критикой, особенно европейской.

«Кориа - это романтик современного джазового фортепиано не только как пианист, но и как композитор. Критики сравнивали его изящную музыку для фортепиано с тем, что писали для этого инструмента в ХIХ веке Шуман, Мендельсон, Шуберт или Антон Рубинштейн, но не заметили при этом имманентное, очень тонкое, почти неуловимое джазовое напряжение, которым Кориа «нагружает» свой романтизм».

«У меня возникло ощущение, будто я смыл с себя скуку всех гладеньких клавирных альбомов с калейдоскопом популярных мелодий, залитых соусом шопеновского или питерсоновского изготовления. Может быть, именно так Мусоргский написал бы через сто лет свои «Картинки». Это не был джаз, ни тени блюза, ритм свободный, как у романтиков, - но это завораживало. Покоем, нежностью, воспоминаниями о простой песенке, которую раньше мне не довелось услышать».

Оставив проект с «Circle», Кориа сформировал группу «Return to Forever», которая дебютировала в духе бразильской мелодической традиции. Интерес к латинскому фольклору в джазе проявлял еще Гиллеспи, Кориа и сам играл раньше латинский джаз, да еще с большими мастерами, но сейчас он играл так, как до него не играл никто, - это был латинский джаз-рок.

В 1985 г. он организовал новую постоянную группу. В нее вошли басист Джон Патитуччи и барабанщик Дейв Векль, позже состав дополнялся и видоизменялся. Это была странная группа, имевшая сразу два названия: «Chick Corea Electric Band» и «Chick Corea Akoustic Band». В полном соответствии с музыкой, которую на конкретном концерте или диске играл Кориа, группа выступала под тем или иным названием.

                ***

                с  себя смываю скуку
                мне подавайте джаз
                а можно тени блюза
                не завтра, а сейчас
                с себя смываю скуку...